Paolo Dolzan

Cos'è l'arte.

2012-01-29T20:15:00.001+01:00

L’interazione tra gli elementi più vari (siano essi animati o inanimati) , traccia continue e dinamiche comunicazioni. Il collegamento tra due o più entità rende possibile il passaggio e lo scambio di informazioni tra il soggetto emittente e quello ricevente, attivando potenzialmente due tipologie di comunicazione:

la comunicazione univoca, quando il soggetto emittente non riceve una sollecitazione di ritorno rispetto agli impulsi inviati.

La comunicazione biunivoca, quando il soggetto emittente riceve una risposta dal soggetto ricevente, completando e/o riattivando il circuito comunicativo.

Il ripetersi di questi cicli/percorsi di comunicazione affine può portare ad una successiva fase di sviluppo e creare un linguaggio, cioè, un particolare codice che è il frutto della sedimentazione e della costante riorganizzazione delle molteplici esperienze comunicative.

Nella dimensione infinita del “collegamento” e subordinata alla sfera della comunicazione, possiamo considerare l’arte “una pratica creativa che dispone di un linguaggio specifico ed in costante evoluzione.”

Partendo da questa definizione è utile interrogarsi circa le finalità e i potenziali che sottendono alla pratica artistica, considerando innanzitutto le insidie insite nel tentativo di dare una definizione dell’arte che sia quanto più definitiva e circostanziata, che non tenga nella giusta considerazione le evoluzioni storiche e quelle tutt’ora in atto, così come pure le differenti concezioni dell’arte in relazione alle molteplici mappe culturali e geografiche.

E’ altrettanto importante comprendere che il termine “arte” sottende molteplici realtà anche tra loro contraddittorie, al punto che è possibile ascrivere questa parola tra quelle fabbricate artificialmente basandosi più sulla vacuità e sull’assenza dei significati, piuttosto che sulla loro concisa presenza. Per chiarire meglio questo concetto, possiamo ricorrere ad un esempio similare, rifacendoci al termine equivoco di “libertà”. Anche in questo caso, la fabbricazione di una parola - contenitore di significanti piuttosto che di significati - evidenzia la facile manipolazione della verità che annichila ogni percezione soggettiva a vantaggio di una pretesa e imposta oggettività.

Le parole “arte” e “libertà”, (spesso associate e talvolta perfino interpretate come sinonimi), palesano i limiti di una definizione univoca e immutabile ed evidenziano le innumerevoli strumentalizzazioni che lo studio della storia e del presente ci insegnano.

Questi termini, (invero, piccole costellazioni di significati nell’universo del linguaggio), fagocitati dalla società e dal sistema dei poteri forti, assurgono a valori assoluti, catalizzando il consenso di massa o tracciandone la direzione. Così, il tentativo di definire che cosa sia l’arte spingendo l’analisi oltre i confini generici della comunicazione per creare dei “valori assoluti”, deve essere interpretato come un atto di volontà teso a sacrificare le coscienze individuali nel ventre di un sistema collettivo e disumanizzante, fondato sulla falsa concezione di una “volontà collettiva” che è invece, il frutto della manipolazione occulta e dell'espressione di una minoranza.

Anche cambiando l'approccio nella ricerca dei significati che sostanziano la definizione di “arte”, scegliendo di verificare le origini etimologiche di questa parola, le cose non sembrano affatto più semplici né meno corrotte: essa deriva probabilmente dall'etimo in sanscrito Are ( con il corrispondente latino di Ars e quello greco di Τέχνη) che significa “ordinare” e nell'antichità, indicava la capacità umana di creare un manufatto avvalendosi della conoscenza delle regole.

L'apporto greco/romano nella formulazione del prototipo culturale del “classico”, che ha dato un'impronta decisiva ai successivi modelli di sviluppo nel campo delle arti in Occidente, può essere compreso se si pensa alle nove muse che proteggevano e diversificavano le diversi arti: danza (Tersicore), tragedia (Melpomene), commedia (Talia), mimica (Polimnia), epica (Calliope), amorosa (Erato), lirica (Euterpe), storia (Clio), astronomia (Urania).

In questo caso, il significato di “ordinare” viene reinterpretato allontanando questo concetto dal mestiere e dalla pratica per acquisire una nuova valenza più astratta; infatti, se dal principio esso riguardava il riordino delle esperienze creative atte alla costruzione di un lessico individuale che si traduceva nell'esecuzione di un'opera e questa, in definitiva, era specchio della qualità e della profondità delle esperienze anteriori individuali - senza possibilità di inganno- successivamente, la necessità di “ordinare” venne declinata alle prerogative strumentali di una società asservita alla funzione dell'utile sociale e da questa medesima, disciplinata.

L'arte fin dai tempi più remoti è stata dunque fagocitata dalla società individuando forzosamente in essa un fine, rifiutandone l'essenza anarchica, barricando l'unica strada autentica di un cammino interiore e spirituale di matrice solipsistica. Ciò nonostante, la vera via dell'arte è stata e rimane quella della scoperta e della costruzione del sé per mezzo della propria opera e, innanzitutto, del proprio fare: la via per la quale il mezzo ed il fine coincidono e l'azione creativa calata nel presente costituisce la priorità, declassando il futuro dell'opera compiuta a secrezione residuale.

Nell'elenco delle muse classiche protettrici delle arti, al lettore più attento non sarà sfuggita la mancanza delle arti figurative e sarà apparsa altrettanto inusuale la presenza della storia e dell'astronomia, riferibili ai nostri giorni piuttosto, alla categoria delle scienze. Personalmente, ritengo che questa classificazione sia perfettamente in linea con la tendenza del mondo classico di confinare la dimensione pulsionale, istintiva e dionisiaca a favore della razionalità. In questo contesto e sulla base del profondo solco tracciato dal pensiero filosofico di Platone, deve apparire del tutto conforme la scelta di privilegiare l'immaterialità e di consacrare all'arte quelle discipline astratte e prive di residuo materiale, affini alla dimensione superiore del “mondo delle idee”, piuttosto che a quello “delle cose”. E' forse solo una questione di distanza: l'arte che si produce nella creazione di oggetti piuttosto che di pensieri o azioni, permane e contraddice l'epifenomeno, non si presta a speculazioni create a posteriori poiché l'opera rappresenta la concrezione nel presente dell'azione residuata. E' testimone e parto dei fatti avvenuti. Attraversa nella contingenza le tre dimensioni temporali del passato, del presente e del futuro: la sua essenza è scomoda alle speculazioni così come il suo permanere nel mondo materiale. La presenza/oggetto dell'opera residuata abortisce ogni speculazione filosofica a venire ed ogni empirismo, eccetto che questa (come è avvenuto nel mondo classico) non appaia come la manifestazione perfettibile di un'idea senza fine.

Il concetto di arte a partire dal mondo classico è disegnato come prodotto artificiale costantemente proiettato nel futuro. In questo modo l'arte diviene il prodotto sociale della ragione che contraddice i fatti e la tanto celebrata “arte classica” in realtà, rappresenta la prima forma di tradimento dell'arte.

grauzone eisbär

2012-01-06T16:17:00.002+01:00

ALLA FINE / Gorizia - 20 Novembre 2011

2011-11-20T21:44:00.000+01:00

ALLA FINE Gorizia - Novembre 2011

2011-11-09T12:19:00.007+01:00

Domenica 20 novembre
ore 11.00/14.30
AGRITURISMO BRUMAT (DAL PEPON)
Via Montesanto, Zona industriale Casermette, Gorizia

Performance di pittura dal vivo con Paolo Dolzan e il tango argentino di Sara Ursella. Reading poetico di Alberto Princis.
Il matineè prevede interventi liberi e nudi con voce e corpo, oltre a un buffet con cucina tradizionale goriziana.

Catalogo: Dolzan / La predica all'uccello - Galleria Argo, 2011

2011-11-06T21:54:00.005+01:00

Click to launch the full edition in a new window
Publisher Software from YUDU

2011-11-06T18:11:00.002+01:00

Articolo di Fiorenzo Degasperi (Estratto dal quotidiano "Il Trentino", 6 novembre 2011)

2011-11-03T20:19:00.001+01:00

Articolo di Renzo Francescotti (estratto da: Trentinomese, Novembre 2011)

2011-11-03T19:18:00.000+01:00

Il workshop ad Hangzhou (Cina) che ha coinvolto 100 artisti italiani nell'estate 2011 ed al quale ho partecipato è alla base della seguente esposizione:

SEGUENDO IL CAMMINO DI MARCO POLO

Artisti italiani dipingono Hangzhou

Inaugurazione: sabato 19 novembre - 11.30

FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA

Galleria di Piazza s. Marco, 71/c

VENEZIA

20.11/30.11.2011

2011-11-02T20:17:00.002+01:00

Per divulgare l'opera del Maestro calligrafo cinese Yu Jihan in Italia, ho creato un blog che documenti le attuali e future tappe del progetto, auspicando nuove contaminazioni artistiche e culturali.

Per ulteriori informazioni cliccate il link:
http://yujihan-italia.blogspot.com/

Paolo Dolzan e Yu Jihan, Accademia di Belle Arti, Venezia, 2011

2011-10-10T14:11:00.003+02:00

724 South 12th Street
Omaha, NE 68102
12th and Leavenworth
Admission and Parking: FREE
Phone: 402.341.7130 Fax: 402.341.9791
info@bemiscenter.org
Hours: Tuesday - Saturday 11:00 a.m. - 5:00 p.m.

http://www.bemiscenterartsales.org/Artist-Detail.cfm?ArtistsID=3083&NewID=5548&CC=AUCTION

YU JIHAN Maestro calligrafo

2011-10-10T12:56:00.014+02:00

Il Maestro calligrafo YU JIHAN sarà presente con una esposizione di opere presso il Castello di Pergine Valsugana, a partire dal 25 ottobre 2011. (Inaugurazione 25.10.2011 ore 18.00)

Nella giornata del 24 ottobre alle ore 21.00, presso il Teatro delle Garberie di Pergine Valsugana, in collaborazione con l'associazione di AriaTeatro, Yu Jihan incontrerà il pubblico nel corso di una conferenza dedicata all'arte calligrafica ed ai rapporti di questa con la pittura informale del secondo dopoguerra.

Il 26 ottobre alle ore 16.00, il Maestro incontrerà gli studenti nel corso di una conferenza presso l'Aula Magna dell'Accademia di Belle Arti di Venezia.

Iniziativa documentata nel catalogo: "Quaderni dell'Arci - Vol. 4".

Evento a cura di Paolo Dolzan e Maddalena Mauri, promosso da Arci del Trentino in collaborazione con:

IIC - Istituto italiano di Cultura di Shanghai

Accademia di Belle Arti di Venezia

PAT - Provincia Autonoma di Trento

Arci Pergine

AriaTeatro

CasadiTutti

Spazio 3)5

2011-09-06T16:52:00.002+02:00

Dolzan
La predica all'uccello

a cura di Tommaso Decarli

Galleria Argo
II Androna B.go Nuovo - 38100 Trento
Dal 24.09 al 05.11.2011

Inaugurazione sabato 24 settembre ore 18.00

Presentazione del catalogo
e artista in galleria.

http://www.argo-centra.com/

Associazione Culturale CASADITUTTI

2011-09-06T16:33:00.002+02:00

"L'indovinello, la donna e l'io"
Dal 03.09 al 03.10. 2011
Associazione Culturale CASADITUTTI
Via G. B. Sicheri, 5 - 38070 Stenico (TN)

Espongono:
Luisa Badino, Giovanna Bonenti,
Michele Bubacco, Giorgia Busato,
Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan,
Anna Donadèl, Piermario Dorigatti,
Paolo Facchinelli, Stefano Moras.
http://www.casaditutti.jimdo.com/

Workshop Atelier Dolzan - 28.08 /04.09.2011

2011-09-02T13:52:00.002+02:00

2011-08-23T15:35:00.000+02:00

An Italian Portrait of Hangzhou

Return to Marco Polo’s Paradise

by Xian Zhang from Hangzhou, China.

http://www.ganzomag.com/italian-portrait-of-hangzhou.html

It’s summer and a group of Italian painters have arrived in Hangzhou a city 200km from Shanghai and the capital of the Nan Song dynasty. Retracing the footprints of Marco Polo, who visited 700 years ago, these Italians have come to paint the city that is my hometown. On summer break from Bocconi University in Milan I joined the artists as they created works inspired by Hangzhou that will contribute to Italy’s Chinese Year of Culture.

It is the hottest time of the year in the hottest city in China, the temperature is above 35°C (95°F) and you feel like you are in a steamer. But the heat can’t stop the Italian artists from feeling like this is a “paradiso in terra” (paradise on earth), which is exactly how Marco Polo described the city.

Madalena Mauri came with her husband. This couple has found their ideal future “son-in-law” in Hangzhou. Just kidding! But they really like the Chinese guy who guided the art group. Madalena’s paintings share one thing with Chinese art – fragility. She focuses her attention on the instant demise of things, in which she recognizes the fragility of Chinese art and finds a connection to it.
After meeting so many talented young Chinese students, Madalena wants to open an art school here. The most important thing she wants to teach is the “freedom” of art. Madalena comments on the young students she met: “They have excellent painting techniques but they don’t have space to think and express.”
It’s not difficult to tell the style Madalena wants to use in her teaching. One day when she was doing a sketch in the park, a gardening girl was so interested in her painting that stood by for a while to observe. Madalena then stopped and turned to teach the girl how to paint. The girl was allowed to change everything Madalena had already put in her work. She was very involved in teaching people, or more specifically I should say, inspiring people. She encouraged the girl to do whatever she wanted on the canvas and offered her a new canvas to start another picture in the way she wanted. She gave brushes and oils as presents to the girl hoping that she could finish her first oil painting.

Madalena Mauri with her first student in China

Maurizio Diana is the eldest man in the group. In his words he is the one who has “conosciuto tante cose” (known many things). It’s the first time he is in China. Despite his age, he eagerly pursues the “enthusiasm” that he felt in China. He said he could sense the desire for progress in Chinese society and he admired what is going on in China. I mentioned to him that we are paying the price for some out-of-control development but he maintained his view that it is a phase a country needs to go through. And for Maurizio, the Chinese people’s “little sacrifice of liberty” is not a big problem. He strongly opposes the kind of life in which people work only “just so that they can reach their vacation.” In his point of view, this way of working to raise your social status can be seen as “dying before we’re dead” That’s why this painter coming from the bella vita of Italy finds the emerging China exciting and fascinating.

Maurizio with the map of Hangzhou

Paolo Dolzan is a painter who lives in Trento, Italy. He described his painting activity as masturbation. It is only for self-pleasure and he never follows his own pleasure as a way to make others happy. He defines his works as a filter of reality. When I asked why he chose to paint a river dragon but turned it into an abstract and dark image during an in-field sketch, he said:
”The dragon is an important symbol for the Chinese and it is strongly associated with Chinese culture. And then, I added my personal components into the painting. My way of working is quite gestural and emotional. I want to present the overlapping of reality with my individuality.”
Paolo observes the similarities between European paintings and Chinese writing: “Chinese poems are full of gestures which can be the source of a picture’s nutrition. The painter contemplates the subject and defines the concept he wants to present. While the painting is a flat surface, this surface is capable of accommodating the gestures. The gestural expressiveness of Chinese poems feeds the innovation of painting.” He appreciated the paintings of Qi Baishi, the maestro of Chinese painting. ”Qi’s paintings are at the same level of writing. He develops both the forms and the contents. They are like poems.“

Paolo while painting

One distinct trait of Paolo’s painting is that it clearly expresses his individual identity. This is also a major characteristic of European painting, that is, a painter’s point of view is the base of the picture. While Paolo emphasized the individuality of European culture, he still praised the team spirit of the Chinese. He described every Chinese person as one drop of water in the sea, while the whole population constitutes the “collective ocean.”
The China that Paolo actually discovered in Hangzhou is different from his perception of it before he came. He understands the difference as a “cultural distance.” When he was in Italy his impression of Chinese culture was that it is characterized by philosophy and socialism. But when he was in China, he found it hard to understand why so many aspects of Chinese culture are now focused on a drive to the future. This is a question for the Chinese as well.

A week later, Madalena, Maurizio and Paolo left Hangzhou with memories of the people they met, the food they ate and the conversations we had. Those memories will be the source of concepts for their final painting about this tour. This October, their works will be put on exhibit in Venezia and I really can’t wait to see what my city looks like in the eyes of Italian painters!

Al mulino si gira

2011-08-13T19:50:00.001+02:00

LA CADUTA
di Gianluca Di Maria

La caduta è il nuovo progetto della Jump Cut in collaborazione con la neonata VITACANESHOT.

E’ prodotto da Luigi Pepe.
Il film nasce da una sceneggiatura di Sebastiano Luca Insinga - co-produttore del film - ispirata all’opera di Albert Camus.
E’ il debutto alla regia di Gianluca Di Maria.

Il film verrà girato a Stenico, in provincia di Trento, in un vecchio mulino che oggi è la casa e l’atelier di Paolo Dolzan.
Si girerà dal 22 al 28 agosto 2011.
Il film verrà terminato entro Gennaio 2012.

LA TROUPE

regia Gianluca Di Maria
fotografia Jakob Stark
operatore Fabio De Felice
primo assistente László Szulyovszky
suono in presa diretta Martin Fliri
scenografia e costumi Clarissa Serafim
aiuto regista Miriam Perricone

INFO:
http://www.produzionidalbasso.com/pdb_697.html

Esposizione Shanghai: La Creazione

2011-08-12T18:55:00.003+02:00

意大利驻上海总领事馆文化处

The Italian Government Institute of Culture
Consulate General of Italy in Shanghai

Istituto Italiano di Cultura, Shanghai

19th fl., The Center, 989 Changle Lu
200031 Shanghai, China

l’IIC Shanghai e’ lieto di annunciare la seguente mostra:

La Creazione
12 -26 Agosto 2011
Sala Multimediale del Consolato Generale D’Italia - SHANGHAI

Reinterpretazione in chiave moderna di uno dei temi più antichi dell’umanità, ed al contempo espressione dell’estro artistico individuale.

Opere di
Marco Bertinelli, Gabriela Bodin, Claudia Corò, Maria Di Cosmo, Andrea Del Sole, Paolo Dolzan, Marina Haas, Fabio Mariani, Maddalena Mauri, Adriana Pinosanu, Paolo Rovegno, Carlo Scialdone,Cosimo Tiso, Xin Yu.

Dolzan in Cina

2011-08-06T08:43:00.005+02:00

Seguendo il Cammino di Marco Polo: 100 artisti italiani dipingono Hangzhou
Assoartisti (Roma) / Hangzhou culture and entertainment brands Association
28 Luglio-4 Agosto 2011

Museo Arte Moderna e scrittura, Hangzhou

Hangzhou

Scuola di scrittura, Hangzhou

Vecchio mercato, Hangzhou

Quartiere antico, Hangzhou

Shangai

Organizzata dall’Hangzhou Cultural Brand Promotion Organization di Hangzhou (provincia dello Zhejiang), nell’ambito dell’interscambio artistico tra Cina e Italia, l’iniziativa «Seguendo il Cammino di Marco Polo: artisti italiani dipingono Hangzhou» è stata presentata il 7 maggio dal curatore Carmine Siniscalco con Paolo Sabbatini, direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di Shanghai, e Laura Fincato, delegato del Comune di Venezia. L’iniziativa prevede il soggiorno di 100 artisti italiani che, ospiti nella città cinese a gruppi di 10 ogni 15 giorni, devono realizzare due dipinti dedicati alla «Venezia d’Oriente». Da novembre le 200 opere saranno esposte alla Casa dei Tre Oci di Venezia e a Hangzhou.

(Da Il Giornale dell'Arte numero 310, giugno 2011)

Catalogo Dolzan

2011-07-25T13:36:00.002+02:00

Presto sarà dato alle stampe un volume che raccoglie il mio lavoro:

DOLZAN opere 1996-2011
pgg. 198 / Dipinti, grafiche, sculture

Chi è interessato può prenotare una copia (al prezzo di 30 euro, numerata e firmata) scrivendo a:
associazionespazio27@yahoo.it

Lupa capitolina, cm140x200, acrilico e tempera su tela, 2011

Una rotonda sul male (performance 12.07.2011 Decarli/Dolzan, Castello di Pergine)

2011-07-13T09:59:00.002+02:00

Indice cefalico orizzontale (I.C.): è dato dal rapporto centesimale tra il massimo diametro longitudinale (diametro trasverso massimo) e il massimo diametro trasversale (diametro antero-posteriore massimo). Raramente ha valore superiore a 90 o inferiore a 70. Sulla base dell’I.C. i crani si classificano in:

Dolico cranici: I.C. < 75

Mesocranici: I.C. 75-80

Brachicranici: I.C. > 80

Indice verticale (vertico-longitudinale) (I.V.): esprime l’altezza del cranio relativamente alla sua lunghezza. In base al suo valore i crani si classificano in:

Camecranici (o platicefali): I.V. < 70

Ortocranici: I.V. 70-75

Ipsicranici: I.V. > 75

Indice facciale totale (I.F.): esprime il rapporto centesimale tra l’altezza e la larghezza della faccia (diametro bizigomatico). In base al suo valore i crani e le facce sono classificati in:

Euriprosopi: I.F. < 85 (facce corte e larghe).
Mesoprosopi: I.F. 85-90 (facce medie).
Leptoprosopi: I.F. > 90 (facce lunghe e strette).

Indice nasale (I.N.): stabilisce il rapporto centesimale tra la larghezza dell’apertura nasale e l’altezza del naso.In base al suo valore i crani sono classificati in:

Leptorrini: I.N. < 70 (naso stretto).

Mesorrini: I.N. 70-85 (naso medio).

Platirrini: I.N. > 85 (naso largo).

Indice orbitario (I.O.): esprime il rapporto centesimale tra l’altezza orbitaria massima e la larghezza orbitaria massima.

2011-07-05T23:02:00.002+02:00

IL VELO DELLA SPOSA

Forte Marghera, padiglione 35

Inaugurazione: venerdì 8 luglio a FORTE MARGHERA
– VENEZIA/MESTRE – Via Forte Marghera 30

Periodo: 8 luglio-6 agosto 2011
Giorni di apertura: dal mercoledì alla domenica, ore 12.00-18.00

In data 29 luglio, dalle ore 18.00 è previsto un incontro collettivo fra artisti, critici e pubblico sulle tematiche dell’esposizione.

Artisti partecipanti:

GIUSEPPE FANTINATO – FRANCESCA ZUCCA
MATTIA SERRA – TANIA TOMASI
PAOLO DOLZAN – FEDERICA MONTESANTO
GIUSEPPE VIGOLO – ELENA BOVO
GIACOMO MODOLO – BEATRICE CESTARI
ALBERTO BALLETTI – SILVIA GABARDI
GIULIANO GUATTA – LAURA CANGELOSI
PETER KANETSCHEIDER – VANESSA MILAN

2011-07-03T15:27:00.000+02:00

UNA ROTONDA SUL MALE
Performance di
Tommaso Decarli / Paolo Dolzan
(omaggio a Cesare Lombroso)

Martedi 12 Luglio 20.30 Castello di Pergine
Pergine Valsugana (TN)

1. Se un possibile stupratore? un potenziale assassino?
Scoprilo subito con una semplice misurazione!
2. Madre! Tuo figlio sarà un grassatore? E tua figlia una meretrice?
Non aspettare, in pochi minuti avrai la risposta!
3. Ai primi dieci microcefali che si presentano verrà offerto un simpatico gadget!
4. Calcola il tuo indice craniometrico!
5. Forse sei un necrofilo ma non sai di esserlo!
6. La tua fronte è un libro aperto per noi!
7. Sei un coprofilo? Fai outing con il nostro aiuto!
8. sottoscrivi la nostra proposta: "Dona il tuo corpo alla scienza!".

Inaugurazione CASADITUTTI

2011-06-13T12:34:00.004+02:00

11 Giugno 2011 si è inaugurato un nuovo spazio artistico e culturale a Stenico (TN).

Siamo un gruppo di cittadini che hanno deciso di creare uno spazio no-profit destinato a quanti vogliano condividere il desiderio di aggregazione sociale per favorire la fioritura di eventi culturali e ricreativi nati dalla collaborazione spontanea, in alternativa alle soluzioni verticaliste istituzionali.

In quest'ottica riteniamo sia possibile contribuire nel nostro piccolo alla maturazione di una coscienza popolare capace di vagliare con maggiore sensibilità critica lo scenario politico, mediatico e culturale dei nostri tempi.

http://casaditutti.jimdo.com

2011-05-27T12:58:00.000+02:00

Dal viaggio negli States effettuato l'anno scorso con l'amico Fulvio de Pellegrin, nasce questa occasione di incontro con Joseph Broghammer, artista di Omaha (Nebraska) e che oggi la Galleria Argo presenta in mostra personale, in quella che è la sua prima partecipazione europea.

JOSEPH BROGHAMMER

Galleria Argo
II Androna di Borgo Nuovo

Inaugurazione: sabato 28 Giugno 2011

Ore 18.00

Sarà presente l'artista

2011-04-10T11:44:00.000+02:00

E abbiamo visto la sua gloria

Paolo Dolzan - Armando Fettolini

San Zenone all’Arco - Brescia
dal 9 al 25 aprile 2011
Inaugurazione sabato 9 aprile ore 17.00
orari 16 – 19 (escluso lunedì)

Ingresso gratuito
Progetto, mostra e catalogo a cura di Fausto Moreschi e Carmela Perucchetti

Per la riflessione quaresimale, L’Associazione per l’arte Le Stelle con l’esposizione E abbiamo visto la sua gloria pone due artisti a confronto su uno dei temi centrali della nostra esistenza: il Crocifisso, incontro con il dolore, con l’uomo/Uomo del dolore.

Cristo crocifisso diviene così il focus verso cui gravitano Paolo Dolzan legato perdutamente alla propria umanità fino a togliere il posto a Dio e Armando Fettolini, che al Golgota non si arresta , crede e testimonia il seguito.

Le tele di Dolzan (artista trentino) nascono da un lungo, macerante percorso di approfondimento filosofico, dalla ricerca espressiva, esasperata di quell’angoscia che la sofferenza e la morte proprie dell’umanità gli trasmettono, dal voler assorbire dal tragico (cosa di più spietato di un crocifisso?) al sublime la forma rivivendola nell’arte. Vede la gloria ma non la testimonia (?) e forse per questo chiede di essere benedetto d’acqua santa, lui che afferma “Non v’è amore più grande dell’amore di Dio, soprattutto se Lui

non esiste”, lui che titola in minuscolo cristo, ma pone Lui (Dio), in maiuscolo Armando Fettolini, milanese, dopo aver per anni scandagliato il dolore dell’uomo dalla parte della Croce, risponde all’urlo di Dolzan con una istallazione dove il simbolo assurge al suo più alto significato: incarnarsi nell’oggetto stesso. Ha visto, meditato, dipinto nel dolore la Gloria, oggi vuole testimoniarla. Lasciata sul Golgota la croce, dona alla nuova Chiesa tre strumenti per il seguito, che non può prescindere dal dolore partecipe (corona

di spine), dalla responsabilità di testimonianza (inchiodati ad essa dal mandato di Cristo), dalla purificazione (il lenzuolo di lino che ricopre quotidianamente l’altare della nostra esistenza).

Diavolo e acqua santa? Più semplicemente due artisti che non disdegnano di affrontare il sacro, di sperimentare nuovi cammini, di testimoniare con la sensibilità contemporanea il dramma di chi quotidianamente deve portare la sua croce per seguire il Maestro o semplicemente per portarla con dignità.

(F. Moreschi)

Cristo è morto in Kashmir.

Cristo è morto di vecchiaia a Rauzabal, (la Tomba Onorata del Raccoglitore) alla veneranda età di 104 anni. Deposto dalla croce ancora in vita, per intercessione di una influente e pentita famiglia semita, ha fatto fagotto e se n'è tornato in India. Me lo immagino a braccetto con san Paolo, ricalpestare i luoghi che lo hanno maturato in quella parentesi della sua esistenza di cui non abbiamo notizie.

L'Oriente, perlomeno fino a 20-30 anni fa, prima cioè che il turbamento razionalistico scotesse le menti riposate della sua gente e che queste abboccassero all'esca facile del progresso desertificante della civiltà dei consumi, non si stupiva di una resurrezione, di una levitazione, di una preveggenza o di qualche altra forma di manifestazione che noi occidentali etichettiamo come soprannaturale o miracolo. Anzi, non v'era guru o santone che nel suo curricolo potesse farne a meno. Ricordo una lettura giovanile, (Yogananda “Autobiografia di uno yogi”), nella quale il giovane adepto è in conversazione con il suo maestro defunto da una settimana e che, tosto riappare nella sua manifestazione fisica, interrogato sull'al di là, fornisce risposte puntuali e suadenti. Per assonanze, ricordo anche una moltitudine di letteratura cosiddetta “satanista” o eretica, da Crowley alla Blavatsky, che affondano le loro radici nelle medesime spinte spirituali hindù, tantriche e yoga. Allo stesso modo mi saltano al cervello le parole tossiche e incendiarie di demoni della libertà e di martiri recenti e moderni come De Sade, Artaud, Stirner, Poe, Cravan, Bourroghs... che molto potrebbero insegnare ai pii beghini delle confraternite d'ogni ordine e professione: ma non è questo il momento di fare un'antologia.

Io sono rimasto al palo a sbronzarmi con Sileno, nelle calde terre del medioriente, prima che Mitra e Gesù si spartissero l'eucarestia.

Io, per conformazione lombrosiana, deformazione psichica e soprattutto, per eccesso d'amore, sono un pittore. Davvero facile a dirsi e difficile a spiegarsi: per deontologia professionale mi piego ai venti delle manifestazioni irrazionali, senza perciò perdere l'abitudine all'interrogativo. In questa faccenda artistica che mi vede nei panni del “diavolo”, di contro al collega Armando che gli tocca benedirmi d'acqua santa, la figura del Cristo mi interessa unicamente per le sue proprietà carnali.

Mi spiego meglio:

Il Cristo del “divin Michelagnolo” è divino nella misura in cui è il frutto della dissezione anatomica di un quattordicenne. Del Cristo rifiuto l'anima e ne mangio il corpo; senza eucarestia, ma fisicamente, con gli occhi di chi spasima conoscere e assorbire la forma dal tragico al sublime, per esprimerla nell'arte.

Nei miei quadri presumo ritroverete un senso di nausea per l'uomo di oggi e di ieri. Altrettanta nausea per tutte le religioni nella loro forma confessionale e collettiva. Il Cristo, il suo corpo anatomico, per me esprime la possibilità di agire senza conseguenze, snobbando il frutto proibito, osservando la forma mutante della mela morale, scagliandola oltre i paradisi e gli inferni nella digestione improvvisa dell'azione senza retorica; del movimento dell'uomo senza perché , che non sia la reazione istintiva/animale ad una sollecitazione. Non v'è amore più grande dell'amore di Dio, soprattutto se Lui non esiste.

(P. Dolzan)

Museo Louisiana / Copenhagen

2011-03-30T12:13:00.001+02:00

http://www.louisiana.dk/

Il museo Louisiana dialoga con il paesaggio e con il visitatore. E' una struttura ampia e modesta. A differenza di molti musei europei ed italiani, attraversando le sue sale ci sentiamo in un luogo che ha saputo sbarazzarsi dalla spocchia istituzionale e da qualsiasi mania di grandezza. La logica che sottintende a questo progetto, lo si avverte chiaramente, è quella di facilitare un approccio del visitatore alle opere presentate in un clima che ha il sapore della quotidianità domestica. Questo museo allarga gli spazi di meditazione restituendo all'arte la sua indiretta funzione sociale.

TABULA RASA

2011-03-16T21:32:00.001+01:00

Per il futuro mi auguro che le variegate situazioni dell'arte, fatte - di "gossip", di "vernissage", di smanie curatoriali, di aste, di chiese/museo per sonnambuli, di critica, di collezionismo e sigillata da questi infami di artisti - raggiungano il meritato acme.
Siamo già nel merdaio, ma non è abbastanza. Bisogna proseguire e saper attendere la "tabula rasa" di ogni speculazione per poterci di nuovo contare e rinominare.
La parola ARTE è destinata al cesso ed io svuoto i secchi del vomito quotidiano.

Aria di famiglia

2011-02-09T10:17:00.000+01:00

GIORGIO ROTTER (1905-1931)

Galleria ARGO

Via II Androna di Borgo Nuovo 38100 Trento

DAL 12 FEBBRAIO AL 12 MARZO 2011

Die Welt ist schön, Il mondo è bello. È il 1928 e Albert Renger-Patzsch, capofila insieme a Moholy-Nagy della Nuova Oggettività in Germania, pubblica il suo libro più celebre, diventato in pochi anni una vera e propria bibbia per i fotografi moderni. La metà degli anni Venti è anche il periodo in cui Giorgio Rotter (1905 – 1931) girovagava per mezza Europa, a cavallo, forse, di quella stessa motocicletta sfoggiata in un suo autoscatto. Certo, il giovane Rotter non poteva immaginare che da lì a poco sarebbe caduto vittima della follia omicida di uno spostato che, senza alcun motivo, lo avrebbe aggredito a colpi d’ascia, lasciandolo a terra gravemente ferito; la setticemia avrebbe fatto poi il resto, stroncando, in modo prematuro, un talento innato per la fotografia ed una sensibilità estetica assolutamente moderna, al passo con i tempi.

Le scorribande motorizzate, prima nel mantovano, poi, si suppone con altri mezzi, verso nord, arrivando fino in Belgio, a Bruges e Bruxelles, non devono essere tuttavia imputate a semplici intemperanze giovanili, pur conservando, per certi versi, i tratti tipici del viaggio di formazione on the road, che tutti, almeno una volta nella vita, abbiamo desiderato intraprendere. No, in quell’Italia, l’Italia della dittatura, delle libertà soffocate e della sciagurata crisi economica che si stava affacciando, non c’era spazio per i colpi di testa e Rotter doveva averlo compreso fin troppo bene, lui che, laureatosi giovanissimo, era diventato l’unico sostentamento della famiglia. È possibile che l’ansia di vedere, di scoprire luoghi nascosti, di partire, tradisca una sorta d’insofferenza alle regole, alle imposizioni del regime; un desiderio di fuga, d’evasione non fine a sé stessa però, ma finalizzata alla ricerca d’immagini pure, di paesaggi poetici, avvolti da un’aura mistica conferita dalla natura medesima nell’atto della creazione. Ed è al paesaggio che il fotografo dedica numerose prove di quell’ammirazione che non conosce confini verso la bellezza e l’ordine insito nel mondo naturale, entusiasmo che si manifesta attraverso l’enfasi con cui Rotter è in grado di riportare, in modo fedele, la perfezione delle forme, la simmetria ben bilanciata degli elementi che compongono il quadro, la luce solare che, gentilmente, accarezza e anima il paesaggio.

Il riferimento iniziale a Renger-Patzsch non è, perciò, avventato, privo di senso. C’è più di un punto di contatto tra le due personalità: entrambi potevano contare su una formazione non strettamente artistica – Renger-Patzsch aveva studiato chimica, Rotter ingegneria; un eguale atteggiamento naïf, inteso non nell’accezione negativa del termine, verso il soggetto, una sorta di profonda seduzione spirituale, d’empatia resa ancora più intensa dall’estrema sobrietà, dalla chiarezza e dalla fedeltà della ripresa fotografica. Malia che in entrambi i fotografi appare evidente, in particolare quando si tratta d’affrontare forme vegetali, specchi d’acqua, vecchie case di contadini, luoghi, cioè, dove natura e presenza antropica riescono ancora a trovare un equilibrio sostenibile. La visione risulta più distaccata, invece, quando ad essere immortalate sono scene che riprendono impianti industriali o d’estrazione mineraria, pur non venendo mai meno la precisione compositiva e la meraviglia di fronte alla creazione, a qualunque livello essa avvenga.

Le foto di Rotter, nella maggior parte dei casi, si presentano in formato circa 8 x 6, dunque assai contenuto, distante dalla retorica assordante di certi scatti contemporanei, che hanno fatto delle dimensioni il loro unico punto di forza, per nascondere, sovente, inadeguatezze tecniche ed incapacità comunicativa – d’altronde, per spiegare il successo delle grandi foto a colori, tanto di moda in questi ultimi anni, Susan Kismaric, curatrice della fotografia al MoMA, ha commentato: “Le grandi foto a colori decorano, le piccole immagini in bianco e nero non decorano”.

I lavori di Giorgio Rotter sono più simili ad un taccuino di viaggio, a fogli strappati da un block notes, in cui il fotografo ferma la prima impressione; si tratta di brevi, ma accurati, appunti, stesi in forma di diario personale, che l’affetto dei parenti ha conservato e tramandato fino ad oggi. Le sue foto sono piccoli talismani, vicini, nello spirito, all’omonima opera del pittore nabis Paul Sérusier, dipinta nel 1888 sul coperchio di una scatola di sigari, seguendo i consigli di Gauguin: anche qui, come in molte visioni di Rotter, un interno boschivo, con alberi che si riflettono in uno stagno; un paesaggio che trasuda un anelito di libertà dalle costrizioni ed una forte dimensione simbolica, da cui le opere di Rotter non sono avulse, e che si palesa nella comprensione del mistero dell’esistenza racchiuso nelle fragilità della natura, maestra di sintesi e semplificazione.

Proprio quest’anno ricorre l’ottantesimo anniversario della morte di Giorgio Rotter e questa mostra vuole essere un primo, seppur tardivo, omaggio al suo talento rimasto per anni misconosciuto, l’occasione di riportare alla luce le suggestioni di un passato lontano. Le sue immagini conservano ancora oggi quello stupore tipico della gioventù, di un novello Adamo che vede ogni cosa con occhi particolari e tutto ciò che osserva appare nuovo al suo sguardo, come se lo vedesse per la prima volta.

2011-01-19T20:09:00.000+01:00

contemporary a r t e

P A N C A L D I

Roma 00191 via antonio serra 78
t/f 063336798 pancaldiarte@hotmail.com
ma-ve 15,30/19,30 lu app.to

DOLZAN “in-volto”
…è una mostra di bozzetti, ovvero di progetti per un volto.

18 gennaio / 10 febbraio 2011

Dolzan, artista Trentino classe '74, costruisce le sue opere attendendo all’introspezione dell’essere, spesso riprendendo anche immagini di tele dei secoli passati. Figure le sue che travalicano il confine dell’estetica finendo nella palude dell’analisi della condizione umana di Baconiana memoria.

Non a caso D. si cimenta nella reinterpretazione di opere che riconduce ad una sorta di crocifissione dell’essere e della sua immagine come fece F.B. dando anima al corpo (la carne si trasforma modellandosi sulla…).

Feroci sono i segni del bozzetto, inquietante il risultato. Il quadro che si evince con lo scorrere dei circa quaranta disegni è di un ripristino del dovere non di cronaca ma del tentativo di riconoscibilità dell’essere per quello che è e non per quello che si vorrebbe…amen della società dell’apparire all’insegna della griff che ne maschera le inquietudini.

(di Paolo Pancaldi)

2011-01-02T16:24:00.000+01:00

Globetrotters

Transatlantik features three cultural envoys in Moving Gallery show
by Michael J. Krainak

Many is the man or woman who wanted to take that voyage “across the pond” — seeking one’s fortune, a new beginning or maybe just to escape with no intention of returning.
Let the record show that most such movement has been east to west across the Atlantic. Yet, today, “The land of opportunity” is no longer an exclusive reference to America.
Just as many Americans are rediscovering roots in their mother countries, whether for profit, enlightenment or enjoyment, many come to the United States and actually book a return flight. Upward mobility has met its match in global outreach. Diversity and multi-culturalism are the new coin of the realm on the exchange market. Go West, or wherever, has taken on new meaning. And yes, you can go home again, richer for the experience.

When travel is not an option, one way to connect to another’s culture is through art; that is, opening one’s self to other ways of thinking and free expression, often about the same issues that matter to all.
In the past decade, no Omaha visual arts venue has done more to counter provincialism than the Moving Gallery of the Old Omaha Association. Artists and curators from Europe, Mexico and Latin America have come to Omaha repeatedly. Not only with their work, but with their friendship and an open invitation to return the favor in a cultural exchange that crosses borders of all kinds, mends fences rather than builds barriers, and brings art into the conversation outside the ivory tower.

The Moving Gallery’s latest cultural envoys are artists Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan and Heidi Lichtenberger, on view in the Garden of the Zodiac Gallery in the Old Market Passageway. The exposition is aptly titled Transatlantik and features the photography of de Pellegrin and Lichtenberger and the acrylic and charcoal portraits of Dolzan.

Transatlantik is the first collaboration of these three Europeans, and it is based upon an additional journey, a “road trip” across the United States they took together in 2007. But if viewers are expecting an American photo-op from a foreign point of view with familiar landscapes and local color, they’re in for a surprise. And some consternation.
The exhibition is largely conceptual, based upon “a questioning attitude toward the elasticity of geographical boundaries, Western cultural conventions, and common aspects of human nature, according to the show’s press release which serves as an artist’s statement. Judging by their art, their impression of the U.S. is less flattering and more revealing of how much Americans have in common with all of Western society despite real and perceived differences.
Of the three, de Pellegrin, an Italian living in Freiburg, Germany, has the lighter touch. Though he exhibited a darker vision with his photographs of Sicilian catacombs seen earlier in 2010 in the Moving Gallery’s stunning show Time, Death and Beauty, de Pellegrin returns with humorous images of staged animals in humorous scenarios that mimic or mock human emotions and behaviors.
A note of whimsy and the surreal persists in his photos here, as with “The Common Dove,” who sits meekly wearing a dunce cap; and “The Fear Comes From Above,” a very sheepish mouse staring up the large ass-end of an elephant. In these two images as well as “Hello Friends,” depicting two giant astronauts who appear to have landed among a herd of lambs, the animals center stage are submissive and ignorant, and it is tempting to place blame on certain political parties, policies and institutions seen symbolically in these tableaux.
On a more optimistic note are “The Jump” and “The Dream of the Penguin,” both of which illustrate animals breaking free of what holds them back. In the former, the worm has turned as a lion leaps from its perch at its clownish, would-be lion tamer. In the latter, our helmeted penguin is frozen in mid-flight. The lion reacts according to its nature and the penguin succeeds in transcending its own. Such is the sublime nature of being human refusing to be tamed or discouraged.
Lichtenberger, also from Freiburg, illustrates a fundamental human quality in her Transmission Window video and four subsequent video stills, “I-IV,” the need to achieve balance and harmony in one’s life. In video and stills, daring young men in suits and athletic shoes are slacklining, a popular aerialist sport, on flexible nylon webbing rather than high wire. Nevertheless, the sensation of attempting control amidst high risk and adventure is just as dizzyingly dramatic. This is especially true of her sensational video rear-projected on a large window above M’s Pub in the Old Market. This is the sort of alternative, public visual experience seldom seen in this community, and it is dearly welcomed.
Unlike de Pellegrin’s pristine fine prints that make use of theatrical staging and lighting, Lichtenberger’s video stills are characterized by red, grainy backgrounds and pixilated imagery, all the better to suit the frenetic, animated atmosphere and the uncertain, tenuous outcome of her protagonist’s pursuits. One can assume, especially as the video is on a loop, that one never really steps down from the “wire” except perhaps by accident or defeat, and that achieving balance is a lifelong pursuit.
Clearly, Dolzan, an artist and instructor in Trento, Italy, exhibits the darkest vision of the human condition in Transatlantik. Most of his portraits are recognizably human despite certain caricature and grotesquery, but his most expressionistic piece is the formidable “Crocodile.” In this large acrylic painting of translucent blues, reds and grays, the transformation is complete, as our sly and voracious, grinning croc oozing from the swamp, is a symbol of cunning hypocrisy, the devil incarnate, at least according to Slavic myth.

His other acrylic and charcoal portraiture also reflects a Northern European tradition, but they are more contemporary as the artist filters his facial distortions via the influence of television, radio, Internet and social media. Especially effective at this are his three acrylics on cardboard made for the Moving Gallery, “The Child,” “Minotaur” and “Countess.” The child is old and depraved before his time, the minotaur, a Wall Street investor bullish on his greedy success while still green with envy, and the countess resembles an Orange County housewife gone wild, and crazy enough to believe her bling and makeup build character.
Though Transatlantik’s satire varies in tone from merely poking fun to the truly Swiftian, it is clearly not meant to be didactic or finger-pointing. These three artists went on a global road trip to America and came, individually, to a similar conclusion: people make the greatest, albeit the most flattering, show on earth, all the world over.

Transatlantik continues through Feb. 16 in the Garden of the Zodiac Gallery, 1042 Howard St. in the Old Market Passageway. For information contact 517.8719 or vmercer3@cox.net.

2010-12-21T18:32:00.000+01:00

THE MOVING GALLERY, OLD OMAHA ASSOCIATION

Omaha, Nebraska

presents

Transatlantik:

Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan and Heidi Lichtenberger

Opening Thursday, December 16 from 7 to 9 pm

Exhibition continues through February 16, 2011

1042 Howard Street
In the Garden of the Zodiac Gallery

The Moving Gallery is pleased to announce an exhibition of recent photographs and paintings by European artists Fulvio de Pellegin, Paolo Dolzan and Heidi Lichtenberger at the Garden of the Zodiac location, 1042 Howard Street in the Old Market Passageway.
Although the three have exhibited together as part of larger group shows, Transatlantik is an occasion to collaborate, musing on the interrelationships of their art, experiences and perspectives. Organized earlier this year for the Beaver Street Gallery in Flagstaff, Arizona, the Moving Gallery presentation reunites the artists in America with work that is both reprised and new for this venue.

Transatlantik resulted from a 2009 journey across the United States taken by de Pellegrin and Lichtenberger. Sharing time, distance and adventure, each processed their extended crossing through individual filters of expectation and understanding. The similarities, differences and contradictions they found during their expedition can be seen in their artworks, characterized by a questioning attitude toward the elasticity of geographical boundaries, Western cultural conventions, and common aspects of human nature.
Dolzan transforms his impressions of people into loosely rendered, darkly macabre caricatures. His sharp observations are influenced by the intersection of city life with the broad truths of television, radio, web and social media that feed distorted generalizations about human behavior and society. Clearly contemporary, Dolzan’s work also recalls the genre traditions of Northern Europe and the humanism of Expressionism.
In Lichtenberger’s videoinstallation ans video still photographs, the tricky balance of life is always in focus. Her metaphoric muse is a figure who is slacklining, practicing a popular aerialist sport employing flexible nylon webbing. Dressed in an ordinary suit, the slackliner functions as an everyman, taking risks and chances to make an uncertain path through the world. A fluid quality in her photographs creates a tension between floating, flying and falling.
De Pellegrin’s color photographs are also born of a cinematic sensibility, created by staging animals in dramatic tableaux. Here, ironies of political and social life are animated through witty juxtapositions of animal and human nature. De Pellegrin arranges mounted specimens, found in museums and private collections, in telling situations that appear to perfectly embody human emotions and reactions.

Transatlantik: Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan and Heidi Lichtenberger will be on view December 16, 2010 through February 16, 2011, in the Garden of the Zodiac Gallery, 1042 Howard Street, Tuesdays through Saturdays from 11:30am to 7:30pm. For further information, please contact 402.517.8719 or vmercer3@cox.net.

The Moving Gallery, Old Omaha Association, Omaha, Nebraska

2010-10-12T21:18:00.003+02:00

Bemis Center for Contemporary Arts

724 S 12th St Omaha, NE 68102 http://www.bemiscenter.org/

12th annual art auction
http://bcartsales.org/auction.cfm?CC=Auction

The 12th Annual Art Auction and the accompanying six week exhibition is the Bemis Center's largest annual fund-raising event. The art auction features over 200 local, national and international artists and spans 4 galleries and over 10,000 square feet of gallery space. The event is a kaleidoscopic survey of contemporary art, drawing over 600 people to the auction event and is truly the most anticipated art event of the season.

Our Art Auction is centered around the core of the Bemis Center’s mission to support exceptional talent, with all auction proceeds invested back into the Bemis Center's international artist-in-residence program, thus completing a cyclical process of artists supporting artists.

Please join us in celebrating the continued vitality, beauty and risk-taking that art and artists bring to our lives.

2010-10-12T21:07:00.000+02:00

Palazzo Fondazione Cominelli

Via Santabona, 9 – 25010 - Cisano di San Felice del Benaco

IN/Carne
“Emporio della corporeità residua”

Disegno e Grafica d’Arte
A cura di Edoardo Di Mauro

15 ottobre – 30 novembre 2010
INAUGURAZIONE 15 OTTOBRE ORE 18
Aperto dal venerdì alla domenica dalle 18.00 alle 22.00
Domenica mattina dalle 10.00 alle 13.00

Il progetto “In/Carne” si è prefisso un percorso di analisi pragmatica del problema del disegno come strumento espressivo autonomo e autodeterminato del fare artistico al di là della destianazione finale dell’oggetto veduto/venduto dall’artista figurativo. Questa esplorazione ci ha portati al foglio disegnato dall’autore. Nel luogo dove avviene. Se questo prodotto non-quadro-finito sia ancora una visione romantica non rientra nel progetto: la mostra intraprende un azzardato percorso che promette sviluppi sorprendenti.

Come dal testo critico di Edoardo Di Mauro edito nel catalogo “In/Carne”:

“Tra gli autori dotati di lunga storia personale Arcangelo propone delicati disegni a tecnica mista dove trapelano inquietanti ombre del passato, Alberto Balletti tratteggia un’immagine ancestrale che simboleggia l’alienante difficoltà comunicativa e relazionale dei nostri giorni, Omar Galliani è uno degli artisti italiani dotati di maggiore sensibilità nella pittura e nel disegno dove immagini di assoluta vicinanza al nostro vissuto quotidiano vengono filtrate in una dimensione onirica che ne accresce l’impatto emotivo, Giuliano Guatta con il tenue tocco delle matite tratteggia sagome e persone collocate in un contesto di stimolante atemporalità, Giordano Montorsi propone dei disegni a tecnica mista di grande forza ed in grado di dispiegare la loro potenza comunicativa anche nella piccola dimensione con un’iconografia simbolica dove prevale la circolarità tra alto e basso, luce ed oscurità, Sandra Moss dà nuova attualità all’antica estetica del sublime ricontestualizzandola al presente pur senza avvalersi di scorciatoie formali ad effetto ma prediligendo una visione organicista dell’esistente visto nell’essenzialità della sua origine archetipa. I numerosi giovani autori presenti in mostra, che ha anche una precisa valenza didattica tesa ad affermare l’attualità dell’insegnamento della pittura, del disegno e dell’incisione sottolineata da Balletti, Montorsi e Galliani, docenti presso l’Accademia di Venezia e di Carrara, dimostrano grande maturità professionale e non a caso molti di loro stanno intraprendendo delle promettenti carriere. In mostra ed in catalogo è possibile ammirare lavori di Cornelia Badelita, Elisa Bertaglia, Elena Bovo, Laura Cangelosi, Federica Casagrande, Cora Chiadevale, Lara Costa, Nebojsa Despotovic, Paolo Dolzan, Alessia Francescato, Dario Lanzetta, Raffaele Minotto, Federica Montesanto, Erica Negro, Miriam Pertegato, Jennifer Salvadori, Caterina Sbrana, Mattia Serra, Barbara Vianello”.

2010-10-12T21:01:00.001+02:00

BAU al Mart

presentazione della rivista BAU in occasione della Giornata del Contemporaneo

Sabato 9 ottobre 2010, ore 17,30

Il Mart, Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, durante la sesta edizione della Giornata del Contemporaneo 2010, promossa da AMACI il prossimo 9 ottobre, presenterà il settimo numero della rivista BAU.
Si tratta di una rivista-contenitore d'artista, di cui il Mart conserva i primi sei numeri, molto attiva su temi approfonditi anche dal museo, come la poesia visiva e le ricerche verbo visuali. Il numero presentato al Mart contiene decine di multipli di altrettanti artisti, da Gianni Emilio Simonetti a Stelio Maria Martini, da Arrigo Lora-Totino a Maurizio Spatola.
Ospite dell’incontro sarà Paolo Della Grazia, uno dei più importanti collezionisti italiani, che ha depositato al Mart le opere dedicate alle ricerche verbovisuali. Luca Brocchini, Marco Maffei, Gianluca Cupisti e Antonino Bove, soci co-fondatori di BAU, affiancheranno nella presentazione lo studioso Saul Marcadent, che proporrà un intervento sulle rivista d’artista.

Ospiti del Mart anche numerosi artisti presenti in BAU, che si esibiranno in Sessanta secondi ma tutti primi, progetto collettivo coordinato da Vittore Baroni e Artifex Mumia: micro-performance di un minuto di Paolo Albani, Carlo Battisti, Veronica Bellei, Anna Boschi, Antonino Bove, Gianni Broi, Paolo Brunati Urani, Mauro Carrera, Bruno Cassaglia, Philip Corner, Jakob De Chirico, Adolfina De Stefani e Antonello Mantovani, Gabriella Di Trani, Paolo Dolzan, Annamaria Gelmi, Gumdesign, Tomaso Kemeny, Alessio Larocchi, Arrigo Lora-Totino, Ruggero Maggi e Kappa, Gianni Martini, Marco Mavilla e Stefano Turrini, Lamberto Pignotti, Gian Paolo Roffi e Francesco De Martino, Massimo Salvoni, Giovanni e Renata Strada, William Xerra.
BAU è un’associazione culturale senza fine di lucro fondata a Viareggio nel gennaio 2004. In ambito locale e mediante collaborazioni nazionali e internazionali, il progetto si propone come centro di incontro e aggregazione che coinvolge le più diverse discipline: pittura, scultura, fotografia, video, installazione, performance, teatro, narrativa, poesia, critica d’arte, fumetto, musica, ma anche ricerca scientifica, gastronomia ed altre attività non umanistiche.

Transatlantik: postcards from the USA

2010-09-17T16:22:00.001+02:00

Texas

Oklahoma

New Mexico (Albuquerque, Santa Fe, Dulce, Macha)

Kansas (Kansas City)

Missouri (St. Louis)

2010-07-16T11:41:00.005+02:00

TRANSATLANTIK

Dal 20 Agosto al 31 Ottobre 2010, presso la Beaver Street Gallery di Flagstaff (Arizona, USA), si terra´ l´ esposizione Transatlantik degli artisti europei Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan, Heidi Lichtenberger e dello statunitense David B. Harton.
Attraverso un percorso di video installazioni (Lichtenberger), sculture (Harton), dipinti (Dolzan) e fotografie (de Pellegrin), si delinea una rotta nel circo grottesco della routine quotidiana specchiata nel modello culturale del mondo europeo e americano, marcandone i limiti di tollerabilita´ sul piu´ ampio spettro dello scacchiere politico ed economico.

Beaver Street Gallery
Flagstaff, Arizona 86001 (USA)
28 South Beaver Street

Three European artists, Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan, Heidi Lichtenberger,
join American sculptor David B. Harton

August 20 - October 31, 2010
Artists´ Reception Friday, August 20
6:00 - 8:00 PM

Info: http://www.beaverstreetgallery.com/
http://www.heidilichtenberger.com/
http://www.fulviodepelleg/rin.com/

Fulvio de Pellegrin

Heidi Lichtenberger

David B. Harton

Paolo Dolzan

Workshop - Atelier F

2010-05-25T19:05:00.003+02:00

Il Presidente e il Direttore dell'Accademia di Belle Arti di Venezia
invitano la SV

Workshop

Progetto di Carlo Di Raco, Ivana D'Agostino, Domenico Maria Papa, Martino Scavezzon.
Aristi coordinatori Paolo Dolzan, Jaša, Miriam Pertegato

Laboratorio aperto di Pittura e Disegno:
Proff. Carlo Di Raco e Martino Scavezzon

24 maggio - 1 giugno Apertura al pubblico ore 16/19

Esposizione delle opere:

8 - 11 giugno Orario 10/19

Inaugurazione della mostra lunedi¬ 7 giugno 2010 ore 16.30

Magazzino del Sale 3
Zattere Dorsoduro 264
30123 Venezia

info
tel. 0412413752

info@accademiavenezia.it
www.accademiavenezia.it

Workshop - Atelier F [39KB]

Institut Kunst&Handwerk - Kloster Lehnin (D)

2010-04-25T18:12:00.006+02:00

Ad una cinquantina di chilometri da Berlino, nella località di Kloster Lehnin (ex DDR), sulle rive di un lago, si trova un istituto la cui filosofia consiste nel moltiplicare le strade che conducono all'arte. VI trovano ospitalità gruppi di studenti di ogni ordine e grado provenienti dalla Germania e da tutta l'Europa, così come artisti professionisti nel corso di periodici seminari e simposi. Gli ideatori di questo progetto ormai ventennale sono i coniugi Heckhart e Margrit Haisch, persone alle quali va la mia più sentita gratitudine e ammirazione.

Sono rincasato ieri notte, dopo avervi trascorso una settimana con la classe 4SC dell'Istituto Guetti di Tione (TN), facendo la spola tra Lehnin, Postdam e Berlino. Il miraggio che inseguo da anni, decine di tentativi personali andati a vuoto e impaludati nella burocrazia italiana e nella generale disattenzione verso questo genere di realtà, si sono di colpo concretizzati in terra straniera.

KONTAKT:

Institut für Kunst und Handwerk e.V.Am Klostersee

12 b14797 Kloster Lehnin
T. 0 3382.73 41 23F. 0 3382.73 41 21
liw.lehnin@t-online.de
VR Potsdam 2923

Museo della Carale: Bordoli/Dolzan - Crocifissioni

2010-04-17T05:59:00.003+02:00

2010-03-23T19:54:00.003+01:00

BAU 7

CONTENITORE DI CULTURA CONTEMPORANEA

Ci è gradito informare dell’uscita (Marzo 2010) del n. 7 di BAU Contenitore di Cultura Contemporanea, aperiodico in edizione limitata di 150 copie prodotto dall’Associazione Culturale no profit BAU di Viareggio. Una elegante scatola di cartone serigrafato ospita vari contributi originali nel formato UniA4, numerati e firmati. BAU 7 contiene 65 opere di 73 autori nazionali e internazionali, che riassumono i risultati delle ricerche e delle sperimentazioni in corso nei più diversi linguaggi contemporanei (visuali, poetici, video, musicali, performativi, ecc.).

Il costo di una copia di BAU 7 è di Euro 120 (+ Euro 10,00 spese di spedizione), da inviare con vaglia postale intestato a: Associazione Culturale BAU, Via Pucci 109, 55049 Viareggio LU. In alternativa, può essere richiesta la spedizione contrassegno (Euro 130,00 comprensivi di spese postali).

I numeri arretrati di BAU sono disponibili, in numero limitato di copie, al costo doppio di copertina (Euro 240,00 cadauno).

Gli autori di BAU 7: Adriano Accattino, Paolo Albani, Paolo Baratella, Vittore Baroni, Carlo Battisti, Veronica Bellei, Anna Boschi, Antonino Bove, Luca Brocchini, Paolo Brunati Urani, Berlinghiero Buonarroti, Virginia Cafiero, Giancarlo Cardini, Mauro Carrera, Alberto Casiraghy, Bruno Cassaglia, Guglielmo Achille Cavellini *, Giorgio Celli, Alessio Chierico, Katia Cirincione, GianLuca Cupisti, Paolo Della Grazia, Michele De Luca, Fulvio De Pellegrin, Adolfina De Stefani, Mario Diacono *, Valeria Di Tommaso, Gabriella Di Trani, Paolo Dolzan,Liliana Ebalginelli, Lorenzo Filomeni, Fabio Flego, Franco Fossi, Annamaria Gelmi, Laura Ghilarducci, Gino Gini, Gumdesign, Claudio Jaccarino, Emily Joe, Tomaso Kemeny, Marcello Licciardi, Arturo Lini, Marco Maffei, Piero Maffessoli anzi Malipiero, Ruggero Maggi, Antonello Mantovani, Gianni Martini, Stelio Maria Martini, Lorenzo Mazza, Plinio Mesciulam, Cesare Oliva, Armando Pelliccioni, Mario Persico *, Marlon Vito Picasso / Rocola, Teresa Pollidori, Matteo Prati, Ruggero Radaele, Riccardo Ruberti, Agnese Sabato, Massimo Salvoni, Fabio Santin, Arturo Schwarz, Gabriele Semeraro, Barbara Serdakowski, Gianni Emilio Simonetti, Adriano Spatola *, Maurizio Spatola, Fausta Squatriti, Arrigo Lora Totino, Anna Vagliviello detta “Mamma Nannina” *, Antonio Varàno, Alessandro Vezzosi, Emilio Villa* * opera rara o inedita da archivio privato

BAU è presente nei seguenti archivi e collezioni: Archivio Museo della Stampa, Francesco Pirella, Genova; Archivio Poesia del Novecento, Mantova; Archivio Uroburo, Parma; Assessorato alla Cultura Regione Toscana; Biblioteca Civica d’Arte Luigi Poletti, Modena; Biblioteca Nazionale, Firenze; Centro Arte Moderna e Contemporanea CAMeC, La Spezia; Centro per l’Arte Contemporanea “L. Pecci”, Prato; Circolo Culturale "Il Gabbiano", La Spezia; Collezione Luigi Bonotto, Vicenza; Collezione Francesco Conz, Verona; Collezione Paolo Della Grazia, Monza; Collezione Giuliano Gori, Fattoria di Celle, Santomato (Pt); Collezione Luigi Grassi, Varese; Collezione Gianni Landonio, Buguggiate (Va); Collezione Davide Mengoli (Londra); Collezione Stefano Nastasi, Partanna (Tp); Collezione Carlo Palli, Prato; Collezione Gianni Sassi (Re); Collezione Fiorenzo Smalzi, Firenze; Fondazione Berardelli, Brescia; Fondazione “C. L. Ragghianti”, Lucca; Fondazione Sarenco, Cunettone di Salò, Brescia; GAMC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Viareggio; Getty Research Institute, Los Angeles; Istituto Italiano di Cultura, Vienna; Lavatoio Contumaciale, Roma; MACRO, Roma; Mart, Rovereto; Museion, Bolzano; Museo d’Arte delle Generazioni del 900, Cento (Bo); Museo Ideale “Leonardo Da Vinci”, Vinci; PAC, Milano; The Ruth and Marvin Sackner Archive of Concrete and Visual Poetry, Miami Beach; SMS, Siena; Tate Modern Library, Londra; Tracce “Cahiers d’Art”, Ruvo di Puglia (Ba); ecc.

BAU - via A. Pucci 109 - 55049 Viareggio LU - tel. 0584 944546 - info@bauprogetto.it - www.bauprogetto.it

2010-03-17T23:42:00.000+01:00

"Madonna con Bambino", 150x100, acrilico su tela, 2010

2010-03-15T00:47:00.001+01:00

MUSEO DELLA CARALE ACCATTINO
Via Miniere, 34 – 10015 Ivrea

Comunicato stampa

Sabato 27 marzo 2010, alle ore 18, sarà inaugurata la mostra

CONFRONTO SULLA CROCIFISSIONE
TRA DUE PITTORI, L’UNO DEI QUALI CREDENTE E L’ALTRO NO

Interverranno, con Adriano Accattino, i critici Vincenzo Guarracino e Mauro Zanchi. Saranno presenti gli artisti Bruno Bordoli e Paolo Dolzan.
Verranno inoltre esposti due sipari di Hermann Nitsch e Adriano Accattino.
La mostra resterà aperta fino al 25 aprile 2010 e potrà essere visitata nei giorni di venerdì, sabato e domenica, dalle ore 16 alle 19.
Ingresso libero.
Info 0125 612658 – www.vivalarte.it

L’idea della mostra
e i dubbi che la sostengono

(di Adriano Accattino)

Ho invitato due artisti dal segno forte ad affrontare la crocifissione, tema travolgente, sovrumano che, se risulta difficile per un credente, impossibile risulta per un non credente. I due artisti mi sono sembrati entrambi particolarmente adatti, in quanto portatori di un universo pittorico che va al di là di una mediocre misura umana, e straborda in spazi inventivi di grande complessità ed estensione. Tanto Bordoli che Dolzan sono pittori smisurati e innaturali, di un mondo stravolto e fantastico, nel quale hanno scavato con i loro pennelli come se fossero picconi e pale. Non stupisce che Bruno Bordoli, già reduce da una Piccola Passione e da una lunga frequentazione di temi sacri, abbia accolto l’invito; e nemmeno stupisce che l’invito abbia coraggiosamente accolto anche Paolo Dolzan, a suo modo autore di una pittura altrettanto sacra, sia pure in un senso totalmente differente. Dolzan è pittore religiosamente umano, tanto profondamente umano da essere anch’egli religioso, pur dichiarandosi non credente.

Bruno Bordoli è portatore sin dal principio del suo cammino pittorico di un mondo a tinte tragiche. I temi della religione, le cui narrazioni si ripropongono da secoli, spesso sono da lui evocati e nel contempo relegati in un mondo alieno che ci appare di sghimbescio, ma da quello scorcio parte una freccia vertiginosa di luce: quel carnaio di scimmie è il nostro; quello stuolo d’angeli potremmo anche essere noi!

Paolo Dolzan abbraccia così perdutamente la sua umanità da togliere il posto a Dio: un’umanità dilaniata che lancia i suoi urli da ogni ferita, come se ogni ferita fosse una lingua. Un’umanità fedifraga, peggio che bestiale; un’umanità che non sale e ristagna nell’orrore; un’umanità divisa dal divino, ridicola e superba, che merita la sconfitta e l’annullamento. Dolzan ci consegna l’uomo a questo punto, disgiunto dal suo destino, come un palo spiantato, un albero con le radici in aria.

Dunque, entrambi i nostri artisti sono pittori di crocifissi e di poveri cristi e ciò che li differenzia finisce con l’esser solamente la c maiuscola del Cristo di Bordoli e la c minuscola dei crocifissi di Dolzan. Per l’uno crocifisso è il Figlio di Dio che viene a gravarsi delle colpe di tutti e riscatta l’umanità, mentre per l’altro è un uomo comune, e rappresenta tutti i poveri di questa terra. Nel crocifisso di Dolzan l’uomo comune patisce a causa dei misfatti di coloro che l’hanno condannato. Nel Cristo divino appeso, gli interrogativi si complicano ulteriormente: l’uomo è arrivato al punto di crocifiggere il suo Dio? Crede forse di liberarsene appendendolo a un palo? Crede di cancellarlo? Di sostituirsene? S’innesta sul terreno delle precedenti domande una sequela di altre domande. E questa pittura rende ragione della tragedia dell’uomo crocifisso; ma come può rendere le ragioni del divino? Lo scandaglio delle profondità umane lambisce appena le terre del divino. Dire l’angoscia e l’amaro; dire la sofferenza e la morte dell’uomo è già di per sé un compito impossibile, ma dire poi la tragedia del divino che soggiace all’umano non trova parole né segni bastevoli.

La questione cruciale è se sia possibile rendere sulla tela quel quid impalpabile che dovrebbe fare la differenza tra pittura ispirata da modi divini e pittura ispirata da ragioni esclusivamente umane. Lo spirito trova difficoltà a modellare la pittura; o altrimenti la pittura non è materia adatta ad essere plasmata dal divino afflato. E in effetti come potrebbe una materia ricoverare in sé un’immateria? Come potrebbe una superficie ferma contenere l’espressione di un movimento incessante o una superficie piatta rappresentare un incommensurabile rilievo o una sottile pellicola uno spessore infinito di sovrapposizioni? La pittura è un strumento umano dagli esiti limitati: se la si grava eccessivamente si spezza e non risponde più. L’espressione di un senso divino è impropria alla pittura; così è improprio domandare qualcosa del genere all’opera di un artista credente. La pittura di un credente è identica a quella di un non credente, per quanto concerne i suoi esiti. Divino e pittura restano estranei. La pittura produce rappresentazioni, e cioè aspetti e forme di superficie, sperimentabili per via di sguardi. E non esistono divinità e spiritualità che si percepiscano per occhi; esse appartengono a dimensioni della profondità e della penetrazione: la pittura è perlopiù inadatta a questo. Non può esserci differenza che non sia propria della pittura tra il crocifisso di un credente e quello di un ateo. La pittura sacra si distingue da quella non sacra per l’oggetto delle sue attenzioni e non per l’effetto: così potrebbe persino sembrare più religioso il quadro di un pittore non credente. Come si vede, i problemi restano aperti.

Crocifissioni

2010-03-06T22:13:00.006+01:00

"Ascensione con angeli", cm140x200, acrilico su tela, 2010.

Anteprima delle opere in mostra presso il Museo della Carale di Ivrea.
Bordoli / Dolzan - CROCIFISSIONI
Dal 27 marzo al 25 aprile 2010

Inaugurazione sabato 27 marzo 2010 ore 18.00.
Ingresso libero.

Info:
www.vivalarte.it

2010-02-25T07:26:00.001+01:00

2010-01-28T10:20:00.001+01:00

2010-01-24T12:52:00.000+01:00

2010-01-20T22:15:00.000+01:00

Il meleto di Tolstoj a Ivrea

2010-01-10T09:23:00.000+01:00

MUSEO DELLA CARALE ACCATTINO

Mostra: IL MELETO DI TOLSTOJ

Periodo: 16 - 31 gennaio 2010

Orario di visita: venerdì, sabato, domenica dalle ore 16 alle ore 19

INAUGURAZIONE SABATO 16 gennaio 2010 ALLE ORE 19

Proveniente da Trento, Palazzo Roccabruna, la mostra dedicata alla celebrazione del legame dello scrittore russo con il suo celebre giardino è ospitata al Museo della Carale, in occasione del centenario della morte. Si tratta di un progetto itinerante che dovrebbe ancora toccare la Germania e concludersi a Jasnaja Poljana, nella regione di Tula, 200 chilometri a sud est di Mosca.

Il meleto dei conti di Tolstoj a Jasnaja Poljana, oltre ad essere un interessante esperimento di biodiversità, è diventato di recente un’occasione di confronto interculturale e multidisciplinare volto a superare nazionalismi e separatismi.

Il legame storico con l’Italia e il Trentino in particolare, emerso quando si scoprì che i meli originariamente provenivano dalla Val di Non, ha fornito lo spunto a un evento che coinvolge una ventina di artisti internazionali diversi tra loro per direzione stilistica e ambito di ricerca, ma uniti dallo stesso scopo: rendere omaggio a Tolstoj.

L’aggancio con la città di Ivrea nasce da un breve soggiorno compiuto dallo scrittore russo e raccontato in un recente libro dalla scrittrice eporediese Giuse Lazzari.

Il “meleto” rimanda anche alla dimora di Guido Gozzano ad Agliè.

La mostra si articola in due sezioni, una documentativa e una espositiva.

Da una parte la semina delle idee, l’insieme delle opere pittoriche, plastiche e fotografiche, realizzate in omaggio allo scrittore, dall’altra gli schizzi, i disegni, le fotografie dei taccuini ed i filmati che documentano i viaggi della delegazione trentina effettuati a Tula nel 2007 e nel 2009 per restituire l’antico splendore al celebre meleto.

Il giardino, dichiarato nel 1928 “bene culturale e patrimonio storico dell’umanità”, fu realizzato dallo scrittore: 40 ettari, 8500 alberi, di cui 7900 meli.

Partecipano al progetto:

Adriano Accattino, Burkart Aickele, Roger Ballen, Simona Cesari, Flavia Decarli, Jakob de Chirico, Fulvio de Pellegrin, Paolo Dolzan, Piermario Dorigatti, Wolfgang Faller, Norbert Klora, Roberto Kusterle, Heidi Lichtenberger, Liudmila&Nelson, Eluan Macleod, Mario Postal, Ruggero Radaele, Christian Rothman, Giovanni Rubino, Marco Sbizzera, Mattia Serra, Franco Visintainer

Von Jürgen Scharf Inzlingen.

2009-12-12T21:18:00.003+01:00

Paolo Dolzan und Piermario Dorigatti zusammen mit der barock gewandeten Galeristinnen-Tochter Henrietta Duerschlag in der Ausstellung Die Dame und ihr Schatten.
Foto: Jürgen Scharf

Die Dame des Hauses empfängt bei der Vernissage die Besucher in einer Spätrenaissance-Robe; auch die Tochter rauscht barock gewandet durch die Räume. Das Outfit aus dem Theater-Kostümfundus in der Ausstellung Die Dame und ihr Schatten in der Galerie Altes Rathaus Inzlingen hat seinen guten Grund: Geht es doch in der Doppelschau der beiden italienischen Maler Paolo Dolzan und Piermario Dorigatti um den aktuellen Blick auf die alten Meister, um das Verhältnis zwischen der modernen Malerei und den großen Bildnismalern der Kunstgeschichte.
Vor allem Dolzan beschäftigt sich mit den Meisterwerken von Rembrandt, Rubens, Caravaggio, van Dyck und schafft großformatige zeitgemäße Persiflagen dieser Meisterbilder. Der Betrachter muss die historischen Bildquellen immer im Hinterkopf behalten, damit der schockartige Eindruck und Einbruch in die Groteske sowie oft grausige Metaphern abgemildert wird. Denn der in Trient lebende Maler Dolzan bedient sich der ähnlichen manischen und verzweifelten Metaphorik wie die entsetzten Visionäre, namentlich Francis Bacon. Diese Maler zeigen das gefährdete und beschädigte Leben in Gestalt historischer und heutiger Figuren mit ihren verzerrten Physiognomien. Da fällt auch Dolzan etwa mit dem Rembrandt-Selbstporträt darunter, mit Hieronymus Boschs apokalyptischem Triptychon des Deliziösen, van Eycks Cavaliere (Ritter), Das Kind von Rubens, Der Ungläubige Thomas nach Caravaggio: alles gemalt in barockem Duktus zwischen bitterernst, tragisch und ins Lächerliche gezogen oder parodistisch verfremdet.
Dolzan ist von beiden Künstlern der barocke, dunkle, während Dorigatti aber nur auf den ersten Blick der bunte, fröhlichere ist, denn eigentlich sind in seinen Bildern bei genauer Betrachtung die Gesichter auch deformiert. Jeder der beiden Maler hat seine eigene Sprache, die kunsthistorisch untermauert ist. Während Dolzans großes Thema klassisch-barock ist, eine hinterfragende Reminiszenz an die alten Meister, so ist Piermario Dorigattis Thema der Schatten. Es ist ein großes Thema der Romantik. Man denke nur an Chamissos berühmte Märchennovelle Peter Schlemihls wundersame Geschichte, in welcher der Held seinen Schatten verliert, an E.T.A. Hoffmanns fantastische Erzählungen um einen verkauften Schatten oder an Richard Strauss Oper Die Frau ohne Schatten.
Es sind romantische Beispiele des Teufelspaktes. Es ist also eine Replik auf den Schlemihl. Damit setzt sich Dorigatti in seinen gemalten Schatten auseinander. Die Auflösung der physischen Welt wird von ihm auch malerisch theatralisch so umgesetzt: Die Figuren erscheinen nur angedeutet mit verwischten Konturen und verschatteter Physiognomie auf einer imaginären runden Bühnenebene. Also beide Maler beschäftigen sich mit verschiedenen Epochen und der Tradition der Malerei aus der Sicht von heute. 3 Bis 12. Dezember, Donnerstag bis Samstag, 17 bis 20, Sonntag, 14 bis 20 Uhr.

http://www.oberbadisches-volksblatt.de/core.php?dat=Y29tcG9uZW50PW5ld3MmYWN0aW9uPXNob3cmeElEPW5ld3NCeUlEJm5ld3NJRD00OTAyOTQmcGFyZW50SUQ9ODk=

2009-12-10T22:57:00.000+01:00

"I due amici", cm140x190, acrilico e tempera su tela, 2009

Die Posen verschwinden

2009-12-10T10:52:00.003+01:00

Die italienischen Maler Piermario Dorigatti und Paolo Dolzan Foto: Roswitha Frey

In prächtigen Kostümen aus der Barock- und Renaissancezeit erschienen Galeristin Evelyn Duerschlag und ihre Tochter bei der Vernissage in der Galerie Altes Rathaus in Inzlingen. Die Roben aus dem Theaterkostüm-Verleih passten stilistisch perfekt zu der Epoche der Malerei, auf die sich der italienische Maler Paolo Dolzan bezieht. Der Künstler aus Trient greift berühmte Motive Alter Meister auf und verfremdet sie in seinem eigenen Stil.Wer die großformatigen, in den Farben oft düster-dramatischen Gemälde von Dolzan sieht, mag zunächst an Francis Bacon denken. In heftigen Pinselhieben und wuchtig-vehementem Gestus verzerrt und deformiert Dolzan die Figuren und Porträts aus der Kunstgeschichte, verwischt deren Gesichtszüge und Konturen bis zur Unkenntlichkeit und bis zur Groteske, dass man sich unwillkürlich an Bacons obsessive Bilder vom leidenden, gequälten Menschen erinnert fühlt. Auch Dolzans Arbeiten haben etwas Erschreckendes und Faszinierendes zugleich, erzählen von Zerstörung und Neuschöpfung. Mit verlaufenden Farbschlieren und einem fast brutal dynamisch aufgeladenen Malakt setzt sich Dolzan mit den Meisterwerken eines Rubens, Rembrandt, Caravaggio, van Dyck und anderen auseinander. Indes kopiert er deren berühmte Porträts und Figurenbilder nicht, auch wenn die Figuren noch in Teilen und Restzügen erkennbar bleiben, sondern interpretiert und verwandelt sie völlig neu mit den Stilmitteln der heutigen expressiv-abstrahierten Malerei. Die Gesichter sind nur noch gespenstisch verwischte, unförmig verdrehte und deformierte Masse, die Umrisse der Contessa, des Comte oder des Cavaliere, das überdimensionale Selbstporträt nach Rembrandt, das "Kind" von Rubens, das Motiv des "Ungläubigen Thomas", die Madonna mit Kind, die üppige Pracht und Pose der elegant herausgeputzten Modelle aus früheren Jahrhunderten verschwinden fast unter der gewaltigen Wucht und Vehemenz der Pinselstriche. (estratto da: "Badische Zeitung")

http://www.badische-zeitung.de/ausstellungen-rezensionen/die-posen-verschwinden--22595615.html

Scomporre per capire / Mariapia Ciaghi intervista Paolo Dolzan

2009-12-04T22:41:00.005+01:00

Quale significato assume nel tuo processo creativo la Scomposizione?
Nel mio lavoro la scomposizione delle forme è un fattore contingente più che intenzionale, vale a dire, subentra in corso d'opera nel mio approccio istintivo al colore e al segno. Spesso la scomposizione ramifica le possibilità, nell'osservatore, di interpretare il medesimo soggetto. Va però chiarito che la scomposizione è un atto successivo al comporre e perciò presuppone adeguate conoscenze delle regole che costruiscono il dipinto.
Come definiresti il tuo stile e cosa cerchi nella pittura?
Il mio stile ritengo che consista nell'adeguarmi alle logiche dettate dal lavoro e non è certamente autoimposto. Il mestiere del pittore, a mio avviso, consiste soprattutto nell'affinare l'attenzione verso gli sviluppi, le scoperte e gli errori che costellano questa pratica. Sviluppato un buon grado di attenzione è poi necessaria una adeguata consapevolezza per comprendere ciò che effettivamente appartiene alla propria sfera personale e che quindi deve essere sviluppato e ciò che, invece, deve essere rigettato alla stregua di una zavorra perché estraneo o non ancora sufficientemente assimilato, oppure perché riconosciuto come semplice seduzione. Quindi se lo “stile” ti consente di essere riconoscibile per delle qualità o per dei difetti, indipendentemente dai casi, significa che ti sei trovato, sai cosa sei e puoi cominciare a costruire qualcosa. Allo stesso tempo, lo stile può portare l'artista alla sterile replica di sé stesso e dunque all'annichilimento, senza evoluzione o involuzione che sia. Nel mio caso preferisco parlare di “impronta”, poiché, dopo più di vent'anni di esercizio coi pennelli, quando mi guardo indietro, invece di una fila di dipinti tutti uguali ritrovo le riuscite e gli errori che valgono almeno una ricerca.
Per rispondere alla seconda parte della domanda: nella pittura cerco la pittura. Questa sola mi basta. In passato sono stato invece così stupido da credere che la rivoluzione potesse essere fatta anche con i pennelli, ma mi sbagliavo, perché il fatto stesso di essere un pittore presuppone troppe rivoluzioni personali per consentire un passo corale e sociale davvero rivoluzionario.
Provo disgusto per ogni forma di potere autoreferenziale che, secondo me, oggi è intrinseco ad ogni coniugazione e forma istituzionalizzata. La pittura è il mio lenitivo.
Come è nata la tua passione per il disegno e per la pittura?
Come tutti i bambini ho trascorso buona parte della mia infanzia a disegnare... avevo la passione dei dinosauri e ho riempito interi quaderni di queste immagini. Semplicemente, raggiunta una certa età ho proseguito in maniera del tutto naturale. Credo che l'ostacolo più grosso per un (futuro) pittore sia proprio quello che ti si para davanti nell'adolescenza: quando trascorrere i pomeriggi a fare quello che facevi da piccino ti disorienta e credi che sia un retaggio infantile che ti impedisce di diventare adulto. L'arte mi ha maturato facendomi girare alla larga dal mondo degli adulti, che è spesso solo una becera farsa della maturità, fatta di menzogne e opportunismi, obblighi e cilici. Della sfera infantile ho mantenuto la totalità degli impulsi, se non proprio quella dei sentimenti.
Quali artisti ti hanno maggiormente influenzato e quali senti come maestri?
Culturalmente sono sempre stato un “onnivoro”; in passato l'impronta intellettualmente più forte credo di averla ricevuta da Sigmund Freud, Friedrich Nietzche, Lao Tzu, Chuang Tzu, August Strindberg, Antonin Artaud, Ferdinand Céline, William Burroughs e Carmelo Bene.
Negli ultimi tempi ho rimuginato l'idea che solo l'ultimo quarto dell''800 abbia fornito una reale possibilità di cambiare rotta per l'uomo incivilito, ma che il tentativo di pochi sia fallito per l'inconsistenza civile della maggioranza e per il peso eccessivo che una totale libertà, calata sulle spalle gracili dell'individuo, comporta.
Artisticamente mi interessa tutto ciò che reputo essere di qualità e sincero; sono allineato a quella lunga linea di pittori inquieti che attraversano la storia dell'arte e che hanno affrontato di petto il fronte esistenziale di questa ricerca estetica. I nomi dei miei riferimenti sono quelli delle diverse stagioni della mia vita, da Skopas (scultore greco tardo classico) in poi...
Parlare di maestri è un'altra questione. Oggi il rapporto tra maestro e discepolo è corrotto come tante altre cose. Tra i due non esiste una gerarchia poiché sono essenziali uno all'altro. I miei maestri sono stati Carlo Di Raco e Marcello Pirro e a loro va la mia più sentita gratitudine.
Come hai vissuto il “tour poetico pittorico” intrapreso dal 2000 con il poeta e artista Marcello Pirro?

Ho conosciuto Marcello Pirro nelle notti trascorse nei bacàri venziani, al momento delle presentazioni (in casa Bernt) io ero uno studentello dell'accademia e lui un poeta che aveva collaborato con i giganti del '900. Dopo un paio di anni mi ha chiesto di illustrare le sue poesie, selezionate dal '56 al 2000 e di intraprendere questo tour poetico-pittorico. Il tour è stato una catastrofe di continue incomprensioni e ci è costato il reciproco allontanamento. Marcello definiva il nostro rapporto tra colleghi alla pari, come un dialogo tra “geriatria e pediatria”, confinando il dato anagrafico nello schema del caso. Marcello è stato un uomo di molte battaglie donchisciottesche, l'ultima l'ha persa con l'alcool e un brutto cancro, l'anno scorso. Con Marcello ho conosciuto, attraverso i suoi racconti di prima mano, i vizi e i pregi degli artisti moderni che studiavo sui libri dell'accademia, ho imparato come muovermi da uomo, piuttosto che da artista attraverso questo immondezzaio dorato che è il mondo dell'arte. Ho capito quanto si pagano cari i compromessi e, soprattutto, a conoscere anzitempo l'approdo, nell'assecondare gli aspetti più turbolenti della propria natura. Marcello Pirro è stato un grand'uomo con tutti i vizi del caso.
Su invito dello storico d'arte Mauro Zanchi, tu hai presentato nel 2007 a Clusone una serie di opere legate al della Danza Macabra. Mi puoi parlare del progetto intitolato “Abituarsi all'Idea” per le quali sono state realizzate?
Nel 2007 fui contattato da Mauro Zanchi, profondo studioso dei cicli macabri europei e di buona parte della pittura tardo medievale, che mi chiese di reinterpretare il ciclo della “Danza Macabra” di Clusone, primo esempio in Italia, risalente al 1485 e derivato dall'iconografia francese. Aprendo ad una collaborazione multidisciplinare con la partecipazione di Fulvio de Pellegrin (fotografo), Heidi Lichtenberger (video/installazioni), Massimo Arrigoni (poeta sonoro), Mariacristina Zanon e Yelly Thioune (danzatori e performer), prese corpo l'evento intitolato “Abituarsi all'idea”, presentato negli spazi dell'Oratorio dei Disciplini di Clusone che ospitano a tutt'oggi il celebre ciclo di affreschi. Le opere cercarono di coprire i vari aspetti della morte, la parte di valenza sociale la interpretai secondo una analisi dell'iconografia volta ad attualizzare i volti quattrocenteschi, cosicchè in sorte dei principi e delle damigelle, fu la volta degli agenti di borsa, dei rappresentanti, dei calciatori, di camminare democraticamente sul filo della lama della Nera Signora. L'unica figura rimasta dell'antica rappresentazione fu il Papa, ancora purtroppo, più che attuale.
Come hai concepito le opere sul tema della morte?

Zanchi pensò di contattarmi dopo aver visto una serie di miei lavori che rappresentavano per categorie il martirio lavorativo (“l'impiagato”) e dopo aver visto il ciclo di 111 grafiche che realizzai dal 2000 al 2004, pensati come ritratti in omaggio degli oltre ottomila corpi trasformati in mummie che riposano nelle catacombe dei Cappuccini di Palermo. Vita e morte sono aspetti inscindibili dal mio lavoro e dalla mia quotidianità, il pensiero della morte mi avvicina alla vita e questo lo considero un antidoto prezioso, ravvisando nell'apatia una condizione ben peggiore della morte.
Cosa ti ha maggiormente attratto del progetto “Il meleto di Tolstoj” per il quale hai realizzato pure una serie di disegni?

Il “Meleto di Tolstoj” è un'iniziativa fortemente voluta dal compianto Ugo Winkler, presidente dell'Arci del Trentino. Nel 2007 partii al seguito della delegazione con l'incarico di documentare il viaggio con un taccuino di disegni. Il primo significativo obiettivo raggiunto risale a poco tempo fa, con la stesura di un protocollo di intesa tra la Regione di Tula, la Tolstoj Foundation di Yasnaya Polyana e la Provincia di Trento. Recentemente ho collaborato alla stesura del catalogo e della mostra presentata presso la sede di Palazzo Roccabruna ( Trento), organizzata da Arci del Trentino e dalla Camera di Commercio. Di questa iniziativa ciò che mi ha effettivamente coinvolto è stata la possibilità di utilizzare la figura poliedrica del grande scrittore Lev Tolstoj per aprire un discorso culturale multidisciplinare e internazionale.
Come vedi l'attuale panorama della pittura e dell'arte in generale in Trentino?
Male, Malissimo, sempre sbagliato. Innanzitutto l'arte non può essere un affare istituzionale né, tantomeno, un orto mentale, perché per conto mio, presto fede all'enunciazione nietszchiana che sia compito dell'arte distruggere la società. Mi riferisco alla visione laterale che era propria degli intellettuali e degli artisti quando, liberati/sacrificati nella rottura con le committenze, estromessi dalla società, hanno fornito una visione affatto consolatoria che espropria la cultura della massa dai processi verticali del potere. Quindi, in primo luogo, accuso di preteso e ingiustificato assistenzialismo la categoria degli artisti che elemosinano il proprio tornaconto negli affari avversari. In secondo luogo, le cariche istituzionali attuano una selezione nella rota dell'arte sulla base di un proprio interesse personale (oppure politico) e peccano di ignoranza indecente. L'arte oggi assolve un ruolo che appartiene alla sfera dell'intrattenimento. Ma cosa accadrebbe se utilizzassi la Bibbia, il Talmud, la Costituzione per incartarci il formaggio? Le scolastiche porcaggini che vengono somministrate nei musei, nelle scuole e negli altri luoghi deputati alla cultura, lavorano allo steso modo. La svilita opera di Van Gogh, per esempio, non è fatta per incartarci il formaggio. E', invece, il percorso esistenziale e mistico di un artista che ha saputo analizzare la società del suo tempo come un prodotto di una follia aberrante.
Cosa consiglieresti a coloro che iniziano a cimentarsi in questo complesso mondo dell'arte pittorica?

Di rinunciare ai pennelli e impugnare le armi. Per armi intendo quelle pacifiche: buttare al cesso la televisione e l'informazione sempre prostituita agli interessi, la fiducia nello stato, la fede nelle religioni e nell'istruzione istituzionale che livella le intelligenze. Insomma, basterebbe chiedersi il perché nascosto dietro le cose .
Quali sono i progetti ai quali stai lavorando?

Mi interessa la carne, il primo canale dei rapporti di sopravvivenza tra gli uomini e le donne. Due razze a tutti gli effetti divise. La carne come materia sensuale, la carne che si decompone divorata dai vermi, la carne alla quale, (sensualità a parte), vi si potrebbe rinunciare risparmiando i nostri gemelli animali, a meno di non essere preda di un raptus selvaggio e dionisiaco, conquistandosela a premio delle proprie zanne.

2009-12-01T13:50:00.000+01:00

Autoritratto con sigaretta, cm150x100, acrilico su tela, 2009

In Trentino? Gli anarkici!

2009-11-27T22:22:00.008+01:00

Sfoglio il giornale senza akuistarlo, nei bar. Dei giornali lokali si trovano di norma "l'Adige" e " Il Trentino". Nel mezzo di un guazzabuglio di amenità, da kualche settimana mi scivola l'okkio tra le righe di artikoletti che stigmatizzano quello sparuto manipolo di anarkici provinciali kioccianti di proteste e okkupazioni disokkupate. Anarkici. Si proklamano loro. La stampa felice li etiketta. Anarkici. Mi interrogo, a questo punto: "Cos'è oggi il pensiero anarkico e libertario, in kuale scimmia di turno si è tramutato, tra bankomatti fannulloni ubriaconi figli di papà ( e di mammà) e giornalisti kierikobeghini, qualunkuisti, markettari, dipendenti, kakasotto? Dunque è questo l'anarkismo? Si risolve giokoforza in 4skiaffi andata/ritorno, okkupazioni di finestre poi murate dai karamba... ekkekazz...

Questa "K" maledetta, bandita nell'alfabeto italiano spunta ad ogni angolo della semplificazione della lotta politica e pure del "Lotto", in politica.

Fino a quando non cancelleranno i files da google, mi restano le dietrologie anarchiche di metà ottocento e di inizio novecento. Bella soddisfazione.

Oggi i giornali principevescovendoli attaccano dei ragazzotti arrabbiati e la Kuestura gli dà il foglio di via. Gli anarkici non son graditi a Trento... come dire: BANDITI.

Equivochiamo, farabutti.

Meravigliatevi, sempliciotti.

Queste flatulenze di cronaca non riguardano l'anarchismo. I giornalisti lo sanno bene. L'anarchismo non ha bisogno di okkupare, perchè è una ideologia della minoranza sì, ma che circola - OGGI COME IERI - nella vena di persone in grado di comprare.

Una cosa è certa: se Eliogabalo avesse fatto il giornalista, anzichè l'imperatore a Roma e il travestito di notte, ne avrebbe certo perduto in dignità.

evoluzione/involuzione

2009-11-19T21:15:00.002+01:00

Capovolgendo il cannocchiale evolutivo mi sento meglio... come dire, parte del tutto ingiustificato (che non chiede il libretto delle istruzioni a nostro signore per imparare ad esistere); e se per imparare davvero qualcosa dovessimo guardare ai nostri parenti più fortunati tra le categorie delle scimmie? Certo, guardando Koko mi sento meglio... facciamo una cosa... mettetemi pure in gabbia, però passatemi pennelli, tele e colori perchè mi rincretiniscano l'anima... alla fine dei conti - ve lo assicuro - ci avrò guadagnato io.

Cordialmente,

il vostro affezionato scimmione.

www.koko.org

Inzlingen 07.11.2009

2009-11-10T13:54:00.008+01:00

2009-11-05T20:53:00.000+01:00

Il musico (da Rubens), cm150x100 acrilico su tela, 2009

X

2009-10-18T22:26:00.003+02:00

Crocifissione cm200x154, acrilico su tela, 2009

2009-10-15T17:23:00.003+02:00

Giovedì 15 ottobre ore 16 apertura Atelier 2009/2010

Atelier F

Esposizione Collettiva - Laboratorio di Pittura:
Giovedì 15 ottobre ore 12 - 19
Corso di Pittura, Proff. Carlo Di Raco e Laura Valle

Accademia di Belle Arti

Sede Ex Ospedale degli Incurabili

Zattere, Dorsoduro 423

Sede: Ex Ospedale degli Incurabili, Dorsoduro 423 Venezia

Periodo: dal 6 al 13 ottobre 2009

Apertura: 6 ottobre 2009 ore 17:00

In concomitanza con la 53a Biennale Internazionale d'Arte, l'Accademia di Belle Arti di Venezia promuove un ciclo di manifestazioni dal titolo NUOVE FIGURE 3.Il progetto prevede un calendario espositivo che si svolgerà, tra giugno e ottobre, in tre diverse sedi: nelle due istituzionali dell'Ex Ospedale degli Incurabili e dell'isola di San Servolo e, all'interno della manifestazione "Krossing" (tra gli eventi collaterali della Biennale Internazionale d'Arte), presso il Capannone 35 di Forte Marghera.La manifestazione, articolata in un programma che propone workshop, installazioni site specific e mostre, prevede la partecipazione di circa trecento giovani artisti attivi nei laboratori di pittura, scultura, scenografia e decorazione della storica istituzione veneziana.La struttura del progetto e la qualità dell'iniziativa impongono NUOVE FIGURE 3 come la maggiore vetrina sulla produzione artistica giovanile presente nel territorio veneto. NUOVE FIGURE 3 è una manifestazione coordinata dal Consiglio Accademico e curata da uno staff di docenti dell'Accademia di Belle Arti Venezia, che ha articolato le varie proposte al fine di promuovere al meglio la produzione didattica e di ricerca, in un momento di grande affluenza in città dei più qualificati operatori attivi nel campo delle arti visive.

Per info:http://webmail.interfree.it/cgi-bin/vlink.cgi?Id=HAh37zB8YfyDuzWDI5GlDFF6jMmBT%2BOnX1zRbYCDmON/hDGsl744XICOWyP13pyY&Link=http%3A//www.accademiavenezia.eu/arti/nuovefigure/index.php info@accademiavenezia.it

Centralino: Tel. +39.041.2413752Fax: +39.041.5230129

2009-10-13T22:45:00.002+02:00

Rembrandt, cm150x100, acrilico su tela, 2009

2009-10-04T23:40:00.001+02:00

2009-10-04T21:14:00.003+02:00

inaugurazione:

16 ottobre 2009

Palazzo Roccabruna

Via Ss. Trinità - Trento

Galerie Altes Rathaus - Dolzan / Dorigatti

2009-10-04T13:11:00.007+02:00

La dama e la sua ombra - DOLZAN / DORIGATTI

Galerie Altes Rathaus - Inzlingen (Germania)
dal 7 novembre al 12 dicembre 2009
Vernissage: sabato 7 novembre ore 18.00
Incontro con gli artisti: domenica 8 novembre ore 11.30

Galerie Altes Rathaus Dorfstr. 36 79594 Inzlingen

http://www.galerie-altes-rathaus.de/

La mostra intitolata La dama e la sua ombra, concepita come doppia esposizione personale degli artisti italiani Paolo Dolzan e Piermario Dorigatti, presso la Galerie Altes Rathaus di Inzlingen, intende approfondire il rapporto esistente tra le attuali sperimentazioni pittoriche e il repertorio di immagini artistiche del passato. Un cammino a ritroso, questo, che elimina le classificazioni storiche, consegnandoci una definizione di arte che non può essere “moderna” e neppure “passata”, in quanto fenomeno di forze creatrici ataviche che scaturiscono in forma medesima dagli artisti, di ogni epoca e geografia. Il linguaggio pittorico va dunque interpretato, al di là degli storicismi e delle contestualizzazioni, come un tracciato piatto e consequenziale, percorribile nelle sue polarità equivalenti di sviluppo e di regressione.

Nelle tele di grande e medio formato, così come nel lavoro grafico, i rifacimenti di Dolzan dei capolavori del '600, cavati dal repertorio di Rembrandt, Rubens, Caravaggio, Van Dick, etc., testimoniano la volontà di gemellare i processi di ricerca pittorica presente e passata. La brutalità pittorica di questo giovane artista stravolge le fisionomie di questi spettri, acconciati con eleganza, luccicanti di armature e di gioielli; per assumere la forma di un esorcismo, necessario all'artista per abbattere i condizionamenti esterni alla pratica creativa, diversi dal sé, rappresentati prima dal gusto elitario della committenza e, oggi, dalla cultura di massa.

Le “ombre” dipinte di Piermario Dorigatti segnano i margini della prefigurazione, ma nell'esercizio pittorico riassumono volutamente le regole della realtà fisica e dunque i principi dell'arte come imitazione. La disintegrazione del mondo fisico ha lasciato dei residui sparpagliati sulle tele di questo artista, come le ombre delle persone incollate ai muri di Hiroshima, non permettono di rimuovere dalla memoria collettiva i ricordi di quegli orrori, così le ombre di Dorigatti affermano in maniera inedita le regole della tradizione.

omaggio a Tolstoj

2009-09-22T20:10:00.004+02:00

Il 16 ottobre 2009 inaugura l'iniziativa "Il meleto di Tolstoj", promossa dall'associazione Arci del Trentino e dalla Camera di Commercio di Trento, presso la sede di Palazzo Roccabruna.

Il percorso espositivo descrive le principali tappe del progetto che ha portato alla stesura di un protocollo provinciale di collaborazione tra il Trentino e la regione di Tula, in Russia, sede della Fondazione Tolstoj di Yasnaya Polyana. In questa occasione, 20 artisti presentano il loro omaggio alla figura del grande letterato russo Lev Tolstoj, sottolineando, con la loro opera, l'urgenza di un dialogo interdisciplinare e trasversale rispetto alle differenti culture.

Espongono:

ADRIANO ACCATTINO/BURKART AICKELE/ROGER BALLEN/SIMONA CESARI/FLAVIA DECARLI/JAKOB DE CHIRICO/ FULVIO DE PELLEGRIN/ PAOLO DOLZAN/ PIERMARIO DORIGATTI/ WOLFGANG FALLER/ NORBERT KLORA/ ROBERTO KUSTERLE/ HEIDI LICHTENBERGER/ LIUDMILA&NELSON/ EUAN MACLEOD/ RUGGERO RADAELE/ CHRISTIAN ROTHMANN/ GIOVANNI RUBINO/ MARCO SBIZZERA/ MATTIA SERRA

TRENTO - PALAZZO ROCCABRUNA - "IL MELETO DI TOLSTOJ"

DAL 16 OTTOBRE 2009

Il barone e la contessa

2009-09-21T20:49:00.002+02:00

cadauno cm100x70, acrilico su tela, 2009

2009-08-30T17:23:00.000+02:00

"L'infanta (da Rubens)" cm200x150, acrilico su tela, 2009

2009-08-30T17:21:00.000+02:00

"Cavaliere (da Van Dick)", cm200x150, acrilico su tela, 2009

2009-08-30T17:12:00.003+02:00

"L'incredulità di S. Tommaso (da Caravaggio)" cm150x200, acrilico su tela, 2009

La possessione del singolo

2009-07-18T20:18:00.002+02:00

L'uomo nero - cm200x300, 2008

L'individuo umano è un ente distinto da altri perché dotato di caratteri strutturali e funzionali che ne definiscono la sua unicità di persona. L'insieme di persone legate da vincoli etnici, soggette a leggi e ordinamenti comuni che configurano un rapporto ordinato di rapporti morali, economici, giuridici e religiosi, costituisce ciò che notoriamente definiamo col termine di “società”.
La contraddizione del sistema sociale si manifesta nel forzare le molteplici unità – ciascuna con proprie necessità, aspirazioni, percezioni e regole – ad accettare le regole virtuali della collettività. Ciò vale a dire, che la società per esistere deve sopprimere l'individualità e che l'individuo sociale é vittima di costanti rappresaglie che hanno come fine il suo annullamento.
Principalmente, il vantaggio a favore del sistema è dato dalla sua preesistenza rispetto alla vita del singolo che è accolto e conformato sin dalla nascita agli schemi costituiti, al punto di rendere quasi impossibile separare le parti autentiche e le tensioni vitalistiche originarie dal costrutto sociale inculcato. Una sorta di tirannide regola i rapporti tra la società e l'individuo, esso si vede addossato di doveri e diritti acquisiti dalle generazioni precedenti per i quali non può nulla.
La società, inoltre, appare come una realtà irrinunciabile per la sicurezza della specie umana e la sua storia è antica quanto la nascita del secondo uomo e si delinea con il costituirsi del primo nucleo di mutuo aiuto famigliare, dacché ancora oggi le società, pur organizzate in nazioni, riflettono macroscopicamente il sistema famigliare.
Il sistema sociale é in continuo mutamento evolutivo, composto di uomini reali esso è però solo un'entità irreale, che si concreta difformemente attraverso la strumentalizzazione di alcuni individui, ma che mai può manifestarsi nella sua interezza. L'individuo non può che conoscere la società nelle frammentarie azioni dei propri simili e di se stesso, avendone una percezione inevitabilmente monca. La società costituisce un punto ignoto, una zona d'ombra insondabile nella vita di ogni cittadino che appartiene ad essa ignorandone i confini e i limiti. La sua morfologia insondabile la proietta nella sfera del soprannaturale.
La storia ci presenta il variopinto diagramma degli splendori e degli orrori connessi ai mutamenti sociali e ai diversi tentativi di applicare i più disparati sistemi d'ordine, di politica di cultura e di religione. Anche nelle combinazioni di sistemi tra loro più differenti è possibile individuare la medesima costante: la società assume in forma inseparabile da sé stessa i tratti della classe al potere. Il potere si esprime nel consenso/silenzio/raggiro della maggioranza.

Arthur Cravan - poetaboxeur

2009-07-15T10:01:00.005+02:00

E mentre allofago

nella luce del tuo amore,

i nostri panciotti si intrecciano,

Mio caro cavolfiore,

io inseguo la tua vasta vita,

e i tuoi colori,

e in un amalgama

di Jack Johnson, elefanti marini e guardaroba

i nostri stronzi brillano come seta inumidita

dall’acqua

fanculo-fanculo! Il battito

dei nostri pantaloni alla zuava

nell’ultimo

spasmo

addominale

2009-07-14T23:15:00.000+02:00

Bambino con gatto, cm100x70, acrilico su carta, 2009

L'angelo della M

2009-07-06T00:24:00.004+02:00

L'angelo della M - cm250x200, acrilico su tela, 2009

2009-07-01T22:47:00.003+02:00

La venere andata a male (omaggio a Giorgione), cm90x200, 2008

2009-07-01T22:45:00.001+02:00

Caronte, cm190x200, acrilico su tela, 2008

ScomporreXfare

2009-06-30T14:44:00.002+02:00

Esposizione degli artisti Paolo Dolzan e Piermario Dorigatti all'interno del ciclo "Fuoribiennale2009" organizzato dalla Galleria ADmore.

Dal 17 Luglio al 14 Agosto 2009

Vernissage: venerdì 17 Luglio ore 17.00

orario: 11h-18h (chiuso la domenica)

Galleria ADmore

Chiesa Ss. Cosma e Damiano

Giudecca 624

campanello 14C - 3° piano

30133 Venezia

Info:

+39 0415209245

galleria@admore.it

http://www.admore.it/

2009-06-24T14:08:00.009+02:00

Riporto di seguito i primi punti di un breve resoconto del progetto artistico avviato nell'anno 2007 e denominato OrbitalProject:

L'idea alla base è stata quella di organizzare una rete di rapporti con varie strutture culturali internazionali che fornissero un supporto all'attività di ricerca da parte degli artisti attraverso strutture di ospitalità e di lavoro, borse di studio, spazi espositivi. I primi sviluppi concreti si sono avuti grazie al prezioso lavoro del Professor Ugo Winkler, (presidente per 30 anni dell'Arci del Trentino e recentemente scomparso), che è stato capace di instaurare un proficuo rapporto di collaborazione con la Tolstoj Foundation di Jasnaja Poljana, avviato nel 2007 e tutt'oggi portato avanti dall'attuale presidente dell'associazione, Wanda Chiodi. Una figura chiave nel dialogo con la fondazione russa e l'Arci del Trentino è inoltre, il Professor Viktor Gaiduk. Dai recenti sviluppi dell'iniziativa concordati nel corso delle reciproche visite delle due delegazioni, il Conte Vladimir Tolstoj, attuale direttore della Tolstoj Foundation, si è detto favorevole all'apertura in tempi prossimi di un centro di ospitalità e ricerca per artisti e di un museo di arte contemporanea che ospiterà una collezione di opere dedicate alla figura del grande scrittore russo. Considerevole parte delle attività di scambio e della selezione artistica sarà coordinata dal gruppo responsabile dell'OrbitalPROJECT, in seno alla più ampia organizzazione dell'Arci del Trentino. La duplice mostra dedicata alla figura di Tolstoj, (Palazzo Roccabruna - Trento, settembre 2009 / Museo della Carale - Ivrea, marzo 2010), che vedrà la partecipazione di una ventina di artisti di selezione italiana ed estera, siglerà la feconda relazione instaurata tra le parti istituzionali e associative.

Casa Tolstoj - Tolstoj Foundation, Jasnaja Poljana

In tempi recenti, si è presentata la possibilità di avviare un centro di soggiorno e di lavoro presso gli spazi dell'ex colonia alpina di Fai della Paganella (TN), grazie alla generosa disponibilità del proprietario di tale struttura, Adriano Parteli, collezionista ed estimatore più che noto nell'ambiente artistico trentino (potete soddisfare la vostra curiosità andandolo a trovare nella sua magnifica trattoria di Piedicastello a Trento!).

A breve sarà dunque possibile accogliere fino a 40 artisti per volta, nel corso di periodici seminari e simposi che svilupperanno le tematiche più varie nel tentativo di stabilire dei punti di intesa tra i diversi ambiti disciplinari artistici, di avviare dei processi di nuova sperimentazione e di attivare un dialogo con altre realtà associative e istituzioni pubbliche e private.

Ex colonia alpina, Fai della Paganella (Trentino)

Per ulteriori informazioni: http://orbitalproject.blogspot.com

Aggiornamenti

2009-06-22T17:00:00.011+02:00

Pubblico di seguito alcune immagini dei dipinti che ho realizzato in questo mese e mezzo di lavoro, ordinandoli per cronologia:

"Compianto su Poldo morto", cm 150x170 circa

"Tommaso che pensa a una donna", cm200x160 circa

"Annunciazione" cm200x210 circa

"Ricordo d'asilo", cm250x200 circa

"Autoritratto al lavoro", cm200x200 circa

"Il dottor Tulp" (da Rembrandt), cm165x200 circa

"Il martirio di Santa Tarbula", cm250x200 circa

W il mulino!

2009-05-06T00:12:00.002+02:00

Di questi tempi ho trascurato e tracurerò il mio blog, cari amici e lettori...

La colpa è della bella stagione che ha sciolto le nevi in montagna e ha reso meno freddo il mio studio, lassù, in quel villaggio ridente di Stenico. Perciò ho ripreso a dipingere di buona lena, senza preoccuparmi subito dei risultati, passando le giornate tra i colori e i pennelli, la moglie e gli amici, le faccende domestiche, i piccoli restauri e la legna e abbandonando per un pò l'abitudine di pigiare i tasti.

Senza tivvù, telefono e computer ti ritrovi a letto spesso prima delle galline, in compagnia di un buon libro da leggere. Ho così riletto le bellissime lettere di Van Gogh indirizzate all'amico pittore Emile Bernard, ma poi, ho avuto l'occasione rapida di un ritorno per qualche giorno nella bella Parigi. Al musee d'Orsay ho goduto della fanciulla dai capelli rossi distesa tra una riposante vegetazione tanto apprezzata da Vincent per la sua solida semplicità, allorchè tra le righe delle sue lettere, cerca di strappare l'amico dalle grinfie di Gauguin, da Pont-Aven e dalle seduzioni simboliste. Ho ammirato gli splendidi Rembrandt del Louvre mentre le riflessioni lucidissime di quel folle mi rimbalzavano tra le tempie, affondando i versi romantici di Baudelaire che della natura di Rembrandt ritrattista non aveva capito proprio un tubo... Insomma, (e a farla breve) ho capito una volta di più che le cose vanno digerite per bene e per fare questo ci vuole del tempo... l'unico vero lusso a questo mondo.

Un affettuoso saluto,

Paolo

Dalla terra di Ulro

2009-03-04T11:51:00.005+01:00

Czesław Miłosz

La legge della gerarchia va di pari passo con quella della degradazione e dell'ironia. Non c'è una trovata, una scoperta, un'idea che, riflessa in un intelletto di gradino inferiore o nella chiesa interumana, non si abbassi in misura proporzionale. Se almeno a questo livello inferiore esse conservassero le loro qualità, solo un pò più sbiadite, solo un pò meno evidenti! Ma la differenza di livello diventa di solito differenza radicale di qualità ed ecco che una verità annacquata si rivolta contro quella superiore sotto forma della sua parodia. Intorno a noi risuona incessantemente lo strepito delle prime ispirazioni che si scontrano fra di loro, delle loro parodie e delle parodie delle parodie. Ricorrendo a un'altra metafora, si può parlare di svuotamento di ogni sostanza dall'interno ad opera delle termiti della mediocrità. Un bel giorno ad esempio si vedrà che per aver attribuito un'esistenza reale alle maschere e alle facciate, siamo diventati vittime delle illusioni. Un prete nutrito delle risciaquature theilardo-marxo-freudiane sarà prete solo in apparenza; un insegnante, anche se sa leggere e scrivere, sarà in verità un analfabeta e un corruttore; un politico, un grosso brigante; uno scrittore e un artista, assistenti di impresari di spettacoli da circo, con sangue vero e copule autentiche sulla scena, proprio come nei circhi-teatri romani descritti da Tertulliano.

Infine la legge della banalità trionfante spiega secondo me la storia delle avanguardie artistiche del nostro secolo. Non ci sarebbe stato un susseguirsi di movimenti e scuole se fossero mancati momenti di reale stupore di fronte al nuovo. Chi ha vissuto abbastanza a lungo ricorda più d'uno di quei momenti in cui era affascinato da accostamenti audaci di colori o parole, da deformazioni ingegnose, dall'abolizione della sintassi. Si trattava in genere del fascino d'una realtà diversa, fantastica, sembrava che da quelle forme tralucessero profondità e mistero. Il tempo accelerato del ventesimo secolo riserva a tali opere un trattamento particolarmente perfido, mutando l'originale in comune, il nobile in volgare, il fantastico in realistico, e trasformando il grottesco più delirante in una commedia borghese di costumi. Ciò fa venire in mente la fiaba del mucchio d'oro trovato di notte nel bosco che al mattino si rivela legno marcio. Certo, non tutta la letteratura e l'arte del nostro secolo subiranno tale destino, ma se ne salverà ben poco.

E' il tempo stesso che pian piano fa scolorire gli incanti fugaci e illusori, condannandoli al grigiore della banalità, ma essi perdono ugualmente il proprio fascino se accanto a loro appare una bellezza più forte, in cui la forza dell'essere sia maggiore. Ciò che uccide opere meno dotate di essere non sono nè la critica nè le dichiarazioni programmatiche, è invece l'apparire di opere che di quel principio sono maggiormente dotate. C'è da chiedersi allora se un poema finito in un cassetto o un quadro mai uscito dall'atelier del pittore, detengano un simile potere. A parer mio si - ed è questa la legge degli influssi magici esercitati dalla sola partecipazione invisibile.

(tratto da "La terra di Ulro" di Czesław Miłosz , 1980 - Ed. Adelphi)

Lo sciopero virtuale

2009-02-26T09:06:00.004+01:00

Dopo la guerra preventiva che esporta la democrazia, la pillola che cancella il ricordo delle canaglierie inflitte o subite , arriva anche lo sciopero virtuale*.

Il processo non manca di coerenza.

Quale forma più appropriata di protesta in una democrazia virtuale, infatti, se non uno sciopero virtuale?

Guerra è pace!

Libertà è schiavitù!

Ignoranza è forza!

E avanti con nuovi comandamenti di orwelliana memoria.

*ROMA - Sciopero "virtuale" (si proclama, ma si lavora ugualmente) per le categorie cosiddette "essenziali". La delega al governo prevede "l'istituto dello sciopero virtuale, che può essere reso obbligatorio per determinate categorie professionali le quali, per le peculiarità della prestazione lavorativa e delel specifiche mansioni, determinino o possano determinare, in caso di astensione dal lavoro, la concreta impossibilità di erogare il servizio principale ed essenziale". In sostanza, lo sciopero viene regolarmente proclamato, ma i lavoratori vanno regolarmente a lavorare per garantire il servizio ai cittadini.

I brutti ricordi siete voi

2009-02-16T21:49:00.004+01:00

Ci mancava solo questa, una pillola per s/pazzare via i brutti ricordi, gli eventi traumatici che appaiono insuperabili ad una mente addomesticata dalla normalità di questo mondo infame di soprusi. Bella roba, stiamo arrivando un passo alla volta al telecomando cerebrale (peraltro già sperimentato in Giappone); il mondo ai robot al potere con 4 coglioni al comando a pestare i tasti del telecomando... che dire... la colpa si addossa sull'individuo, senza nessuna scusante. Celebrolesi di tutto il mondo unitevi! Fate la guerra vera, vomitando le vostre pillole di antidepressivi e psicofarmaci come proiettili su queste facce di merda che un cesso si scanserebbe pur di non fargli da casa!

Mi chiedo: a quando la pillola contro i brutti ricordi che cancellerà quotidianamente i soprusi, le ingiustizie, le soverchierie di stì mangiamerda affannati dal comando, che trasformerà l'uomo in creatura labile, ma felice, col culo sempre pronto e spanato all'uso?

Parlami di libertà e saprò come costruire una gabbia, mormorava un vecchio aristocratico sempiterno che abitava le regioni del tutto.

Religioni, politica, economia, stiamo parlando di vera immondizia rese sacre o potenti da un manipolo di irriducibili farabutti con la complicità del popolo, pecora dalle tette gonfie e pesanti che aspira solo d'esssere munto.

Il mondo così bello, puro e sincero... e la vita che è una sola, oggi condotta nel peggiore dei modi, non merita la fatica di una rivoluzione?

Non lo so

2009-02-10T22:10:00.011+01:00

August Strindberg

Leggo libri e sfoglio cataloghi, scruto fotografie e ricostruzioni in pellicola, fantastico sui tempi andati che hanno lasciato solo un rimasuglio in bianco e nero per questo mio presente. Nel passato non cerco (e non trovo) la felicità, beninteso. Eppure quell'approssimazione di benessere mi ristora. Provo a immaginarmi quel mondo che non aveva ancora del tutto classificato le sintomatologie e le cause del decesso, che rompeva la schiena coi viaggi di una manciata di chilometri e caricava ogni partenza di esodo e di epica, che avvicinava l'anima degli uomini tra le vicissitudini dei giorni trascorsi senza nemmeno una lettera dei propri cari.
Si moriva da giovani, quei pochi a quarant'anni eran già vecchi, ma oggi che la relatività del tempo è a tutti nota, dovrebbe apparir chiaro che anche solo 100 anni fa, quando la vita scorreva liquida in un composto rado d'occasioni o diluito nei tempi, i giorni valevano il doppio e che quindi, alla meglio, non è cambiato niente sotto questo aspetto. Oggi 24 ore bastano a malapena per lavorare.
Non lo so.
Sono inebetito da questo tutto e da questo niente. Coltivo il mio talento necrofilo immergendomi e talvolta annegando nel passato-passatista. Non riesco a cavarmi dal cervello e dal cuore che questo raggiunto benessere, tutta questa tecnologia, prosciughi l'anima anzichè nutrirla; perdipiù questa mia lagna è uguale al pianto del coccodrillo a panza piena.
Nonostante ciò, ho la certezza che questo centinaio d'anni appena trascorso, - il XX secolo delle grandi rivoluzioni - sia stato un trabocchetto per la nostra società occidentale.

Con gli occhi al cielo i nostri nonni ammiravano i fuochi d'artificio progressisti quando in realtà i giochi eran già finiti e i nodi delle contraddizioni incastrati nel pettine dell' '800.
Il XIX secolo ha segnato il picco di questa nostra giostra dell'intelligenza europea, ne ha tracciato i limiti e segnato i futuri confini. E' stata la fulminea parentesi nella storia dell'uomo che poteva farsi libero. Ogni colpo secco di ghigliottina in Francia è stato un passo avanti dell'uomo per l'uomo del mondo intero, così la morte decretata di Dio nella penna di scrittori e filosofi, il segno di matita degli artisti dentro e fuori dalle accademie e dalla società; l'affossamento della s/ragione illuminista in un chiavare sovrafollato e decadente che ha marcato nuovi territori del piacere e marchiato d'idiozia nevrotica la morale. Beati i vivi godenti a quei tempi! Nel giro di un cinquantennio al massimo, (dalla seconda metà dell' '800), tutto è rientrato nella subnormalità della tiritera s/faccendiera giornaliera, grazie alle carceri e ai manicomi declinati nelle più fantasiose forme.
Oggi che sono qui e che scrivo, dopo svariati tentativi maldestri di ricucire il presente e il passato per conservare la memoria e renderla dinuovo agente attivo in questa stramaledetta società, ritorno senza coda al cucciolo che gioca con la propria coda... mi sento un Davide ingrassato che brandisce minaccioso la propria fionda contro un Golia infarcito di testate nucleari.
E' la storia che si ripete - dico dentro di me - e penso per associazioni mentali a quell'unica lettura che mi tranquillizza per la sua onestà: al "Chuang-Tzu" di 4 secoli prima che il nostro Signore posasse il suo sacro culo sulla testa delle nostre anime per raddrizzarci i torti. Penso alla storiella popolare raccontata da questo eremita delle foreste: l'orgogliosa mantide religiosa alzò le sue zampette per frenare il carro, rimanendone spiaccicata.
E così, con la mantide divido la medesima sorte: il pittore spiaccicato senza riscontri, fuor d'epoca e dal mondo senza nemmanco lo sputo di un vitalizio che non si negava allo sfortunato Van Gogh. Tritato dal carrozzone del benessere modaiolo, dogmatico, imputtanito.

Visita il mio nuovo sito!

2009-01-30T23:11:00.005+01:00

Cari amici, se siete interessati al mio lavoro, da oggi potete visitare il mio nuovo sito all'indirizzo:

visit my Web!

http://www.paolodolzan.com/

Troverete un archivio di opere estratte dagli ultimi 10 anni del mio percorso artistico, ordinate tematicamente.

A Lucio Solari

2009-01-26T21:14:00.002+01:00

Lucio Solari

Per conservare e diffondere la sua opera, sto avviando il progetto che ricordi l'amico Lucio. E' mia intenzione organizzare una mostra e pubblicare un catalogo per raccogliere i suoi dipinti, i disegni, gli scritti, le sue apprensioni e inquietudini che mi auguro, almeno, sia riuscito a lasciare in questo mondo. Chiunque leggendo queste righe fosse interessato alla cosa e volesse in qualche modo collaborare, non esiti a contattarmi via post o mail (associazionespazio27@yahoo.it).

Tabacco e vino pensando a Lucio, cm215x190, 2008

Museo della Carale / La libertà nell'arte

2009-01-20T23:59:00.004+01:00

Riporto di seguito il programma di un interessante evento organizzato dall'amico Adriano Accattino presso il Museo della Carale di Ivrea, nelle giornate del 6-7 febbraio prossimo.

Info: Museo Della Carale Accattino – via Miniere 34 – 10015 Ivrea (To). http://www.accattino.it/

Nei primi giorni del mese di febbraio 2009 s’incontrano a Ivrea artisti verbovisuali e intellettuali per un seminario e una mostra dedicati al tema “La libertà nell’arte”.
Il tema è già stato sicuramente affrontato e discusso in molte occasioni, ma è tutt’altro che esaurito. In questo seminario particolarmente interessante promette di essere l’interpretazione che ne daranno gli intellettuali, tra gli altri, di area libertaria. Ancora una volta l’obiettivo che gli organizzatori si danno è quello di favorire nuove collaborazioni e nuovi incontri tra i partecipanti, insieme con l’acquisizione di prospettive utili per il percorso artistico di ciascuno.
La mostra si compone di una sezione dedicata al lavoro di Martino Oberto e di una sezione di opere appositamente create dagli artisti.
L’evento vede la partecipazione di oltre 60 artisti verbovisuali e 20 studiosi che si sono occupati del tema da diverse angolature.
In un tempo successivo verrà pubblicato un quaderno con gli interventi e le relazioni presentate nel corso del seminario, con le immagini delle opere esposte e la documentazione fotografica dei momenti di incontro.

Programma

Venerdì 6 febbraio 2009
Ore 18:00 Inaugurazione della mostra con il saluto di Gianni Cimalando, Assessore alla Cultura del Comune di Ivrea.
Incontro con Martino Oberto, a cura di Lorena Giuranna, con la proiezione del DVD “OM parla di OM con OM”.
Ore 22:30 Andrea Papi presenta il suo ultimo libro: Per un nuovo umanesimo anarchico e Ferruccio Cajani presenta il suo “romanzo globale”: Incudine ai tropici.

Sabato 7 febbraio 2009
Ore 9:30 Avvio del seminario con le dichiarazioni e le testimonianze dei partecipanti, intercalate dalle relazioni di:
Andrea Papi: Il libertarismo anarchico
Vittore Baroni: Libertà è schiavitù
Franco Buncuga: L’architettura delle parole
Fabio Santin: Arte e anarchia
Luciano Lanza: Volontà e Libertaria: due riviste di politica e... arte
Franco Gabotti: Da uno a tre infiniti
Ore 12:30 Intermezzo-performance: Tomaso Binga: Turbolenze sonore – durata 5’.
Ore 15:30 Prosecuzione del seminario con le dichiarazioni e le testimonianze dei partecipanti, intercalate dalle relazioni di:
Roberto Bertoldo: Il ruolo della cultura
Raffaele Perrotta: L’imagination au pouvoir
Piero Flecchia: Il testamento di Picasso e i contenuti etici della rappresentazione pittorica
Gio Ferri: La libertà dell'arte e le energie dei suoi limiti
Ignazio Apolloni: Il mio j’accuse
Melania Gazzotti: Libri d’artista
Ore 19:00 Performances:
Nicola Frangione: Aprendo le porte alle parole Performance–Reading poetry – durata 20’ c.a
Enzo Minarelli: Polipoesia 4 – per video, immagini, musica, suoni 1989-2009 (libero omaggio al Prometeo, il Poema del fuoco, di Aleksandr Skrjabin, 1909) – durata 20’ c.a
Emilio e Franca Morandi: Emotion plus – durata 15/20’

Domenica 8 febbraio 2009
Ore 9:30 Conclusione del seminario con le dichiarazioni e le testimonianze dei partecipanti, intercalate dalle relazioni di:
Eugen Galasso: Anarchia, amore, poesia
Arturo Schwarz: Del realismo socialista come mezzo di sterminio morale
Tommaso Bressan: Senza titolo
Lorena Giuranna: “La crisi degli immutabili”. Arte e ideologia dopo il postmoderno
Gianni Emilio Simonetti: Valentine de Saint-Point, ovvero behind the green door
Adriano Accattino: Una nuova economia per l’arte
Ore 12.30 performance di chiusura: Carla Bertola e Alberto Vitacchio: Futurisma - durata 15’
L’inaugurazione della mostra, l’incontro con Martino Oberto, la presentazione dei volumi di Papi e Cajani e le performances sono aperti al pubblico. Il seminario è riservato agli operatori.
La mostra rimarrà aperta fino al 22 marzo e sarà visitabile nei giorni di venerdì, sabato e domenica, dalle ore 16 alle ore 19 a partire da venerdì 13 febbraio 2009. L’ingresso è libero.

Tutte le manifestazioni si terranno presso il Museo Della Carale Accattino, Via Miniere 34, Ivrea, tel. 0125612658, ad eccezione della presentazione dei libri, che si svolgerà presso il Circolo degli Amici “Verde Canavese”, Via Ribes 2, Colleretto Giacosa.

Partecipanti:
Fernando Andolcetti, Ignazio Apolloni, Davide Argnani, Vittore Baroni, Carlo Battisti, Carla Bertola, Roberto Bertoldo, Tomaso Binga, Anna Boschi, Luigi Boschi, Antonino Bove, Tommaso Bressan, Gianni Broi, Paolo Brunati Urani, Franco Buncuga, Ferruccio Cajani, Ezio Campese, Carlo Canè, Gianfranco Carrozzini, Sonia Caruso, Alberto Casiraghy, Bruno Cassaglia, Cosimo Cimino, Mario Commone, Carlo Marcello Conti, Alda D’Alessio, Mauro Dal Fior, Jakob De Chirico, Marcello Diotallevi, Paolo Dolzan, Anna Maria D’Ottavi, Liliana Ebalginelli, Tony Ellero, Maria Pia Fanna Roncoroni, Fernanda Fedi, Luc Fierens, Piero Flecchia, Gio Ferri, Giovanni Fontana, Nicola Frangione, Franco Gabotti, Eugen Galasso, Melania Gazzotti, Gino Gini, Lorena Giuranna, Elisabetta Gut, Luciano Lanza, Alessio Larocchi, Ettore Le Donne, Arturo Lini, Arrigo Lora-Totino, Lucia Marcucci, Ruggero Maggi, Franco Magro, Maria Nives Manara, Alberto Mari, Marco Marchiani Mavilla, Enzo Miglietta, Enzo Minarelli, Emilio e Franca Morandi, Massimo Mori, Riri Negri, Martha Nieuwenhuijs, Anna Oberto, Serena Olivari, Martino Oberto, Maurizio Osti, Andrea Papi, Mario Parentela, Michele Perfetti, Giuseppe Pellegrino, Walter Pennacchi, Raffaele Perrotta, Franco Piri Focardi, Claudio Rotta Loria, Fabio Santin, Arturo Schwarz, Gianni Emilio Simonetti, Carlo Alberto Sitta, Luigi Tola, Agostino Tulumello, Pino Viscusi, Alberto Vitacchio, Rolando Zucchini.

Vengono inoltre esposte opere di Luciano Caruso e Corrado D’Ottavi.

Pirro è morto all'alba

2009-01-09T18:28:00.003+01:00

Ho saputo oggi della scomparsa di Marcello, morto a fine novembre. Mi saltano le gambe e i bastoni dell'amicizia giorno dopo giorno.

PIRRO E' MORTO ALL'ALBA

Con naturalezza diranno

Pirro è morto all'alba-

Appeso alla sua tromba per suonare il silenzio-

E sarà la guerra più breve

L'ultima

Quella aspettando i grandi a decidere

Il giro delle cose

Sempre vieni cantando con la voce rotta

Di chi ha troppo vissuto

E la forza selvaggia di chi nella rabbia di vivere

Ha gustato la morte.

Se nell'urto scoprimmo l'amore della sera

E' perchè fummo fatti per questo

Una notte lunga con un cuore che trema

Non è ancora la morte

Anche se per viltà stabiliamo la fine.

A volte, obbedienti e consenzienti, aspettiamo

che le pietre si accavallino alle pietre

e decomposte cadano a valle.

Allora bisognerà ricominciare a cercare

Nei volti e tra un grano e l'altro di polvere

Gli occhi

Quegli occhi e quella voce che

Con naturalezza dicano

Sappiano dire

Pirro è morto all'alba stringendo un sasso.

Marcello Pirro / Variazioni sul tema

2009-01-06T11:15:00.008+01:00

Riporto di seguito i versi del poeta e artista Marcello Pirro, tratti dal libro realizzato con lui nel 2001 e intitolato Ipotesi, la storia burrascosa di un dialogo generazionale, tra geriatria e pediatria, come Pirro amò definirla.

Parigi-Venezia 1999/2000

Variazioni sul tema

Se fiutare il dolore come fosse tabacco

Fosse la soluzione

Avrei risolto molti problemi

Soprattutto il mio e il vostro.

Un giorno sarà quel giorno

Fiuterò il dolore come fosse tabacco

E sarà la fine

Fiuto come un cane da caccia

La beccaccina

Fiuto il dolore come fosse tabacco.

Era venerdì, forse no, dell'anno non ricordo

A Parigi ero a Venezia

La Senna il Canal Grande

Il canale della Giudecca la Loira

Erano barche le barche

Cercavo le gondole

Dovevo venire a Parigi per sentirti vicina

Per voler tornare.

Le tue pietre umide e sudaticce

L'odore marcescente dei canali

La sinuosità impagabile dei rii

Le luci le ombre le calle complici

Lo sforzo doloroso dei reumi al remo

Tra amori e dissapori mi riconducono

A te Venezia

Da figlio ribelle e amoroso.

Occhi di cielo-mare

amore quanto mi costi

Se ancora tra risa isteriche e ortiche

Ti cerco per l'ultimo saluto

E' amore questo che mi ricatta

Quello che scalda il ferro e lo modifica

Che cerca tra il filo e il filo spinato

Il bocciolo mai sfogliato

Quel polline che il miele di marzo

Preannuncia.

Quell'alveo tra corpi putrescenti

Negli occhi liquorosi dei sofferenti

In quelli cisposi e assenti dei vecchi

Nelle rughe mai chiarite delle fronti

Quello è disperatamente amore-

Amore si chiama.

Farò anche questo mon amour

Per amore

Se la disperazione busserà alla porta

Lancerò una moneta contro il muro

E palmo dopo palmo conterò i giorni a venire.

Il mio vecchio cane mai stato alla catena

Non ulula più alla luna piena frasi d'amore

E' sparito chissà doce per non far pena-

Vorrei fosse così anche per me:

morire lontano perchè nessuno sappia

di quando la vita mi teneva alla catena.

Marcello Pirro è nato nel 1940 ad Apricena del Gargano, in Puglia.

Si è formato culturalmente a Milano. Ha vissuto quasi 4o anni a Venezia, tra Milano e Pavia. Ora vive a Ravenna. Ha pubblicato poesie che sono state pubblicate in molti Paesi, illustrate da H. Richter, Fontana, Guidi, Kemey, Scanavino, Dova, Crippa, Pozzati, Bendini, Vedova, Guttuso, Migneco, Vespignani... con questi ha intrattenuto rapporti di amicizia e di lavoro nel corso degli anni.

Who is.

2009-01-06T09:19:00.004+01:00

Alligatore, cm230x130, acrilico su tela, 1998.

Un giorno, a Venezia, un mio giovane collega trentino (ancora studente all'Accademia di Belle Arti) mi disse che era stato in Sicilia e sull'Etna. E' vero che il vulcano è una montagna, ma un trentino sull'Etna?

Cercava le origini, mi spiegò, e allora capii meglio quegli occhi a spillo mobilissimi: la sud passionalità - razionale, la grande capacità di ascolto, la mobilità di pensiero e la tavolozza generosa di colori caldi e mediterranei e di grigi freddi, ma luminosi e tristi. In lui le due montagne (sud-nord) convivono e si fondono fino a diventare un tutt'uno armonico con la pittura. Capii la sua passione per il bianco e nero (che poi è policromo): per la grafica.
Eppoi i coccodrilli a Trento? Le trote nei fiumi di montagna, i tori, ma di alligatori non sapevo.
Paolo Dolzan mi spiegò, senza spiegarsi, con la sua pittura ad alta tensione, che tra le sue montagne ci sono anche gli alligatori e le tartarughe. Mi disse che tra una passeggiata (di ore) e l'altra nei suoi boschi con suo padre un giorno aveva intravisto un'aquila e mentre parlava dell'evento si accalorava e illuminava come un bambino. Capii così che in Trentino ci sono anche gli alligatori.
Eppoi cento teste cento: un modo solo per cercare se stesso negli altri. Erano anni che non vedevo una tale massa di lavoro e così ossessivo impietoso insistente e indagatorio per un solo tema: la testa, la centrale anatomica più difficile da imbrigliare.
Per questa generazione la fissazione è un rischio da evitare quando storicamente sappiamo che l'unico modo per affrontare un problema è sviscerarlo per esorcizzarlo. C'è in queste teste la compresenza di Bacon per il modo di scavare nella forma c'è la compresenza dei grandi espressionisti tedeschi (tutti padri nobili). C'è Paolo Dolzan e la sua faccia da adolescente giocoso e tormentato. Sono ritratti-autoritratti queste cento teste questi cento inviti a guardarci dentro e attorno.
Mentre guardo le grafiche coguardo il grande dipinto dell'alligatore e penso a Scanavino per assonanze per il modo di dosare i grigi per scrivere la profonda tristezza che è nel profondo dell'animo umano. L'alligatore per Paolo è una metafora per come si dimena e perché è in acque inquinate. Su questo grande dipinto e sui molti studi preparatori che conoscevo Dolzan ci consegna un messaggio forte e tragico attraverso un animale forte e a rischio: quel coccodrillo è l'uomo a rischio.
Paolo è un ecologista vero e convinto che dal Trentino pensa all'Amazzonia. Non deve meravigliarsi nessuno se nel suo alligatore c'è l'affanno di vivere e si avverte nello scoordinamento il dolore di vivere.
Il suo segno è sempre tagliente, secco e romantico: mai casuale.
Guardando il suo lavoro grafico e pittorico, leggendo i suoi testi, le sue apprensioni, penso a questo paracelsiano del 3° millennio con apprensione.
Come nei sogni (quelli circolari) crede nel suo lavoro e in quello degli altri e lo si capisce da come si muove. Lui di quella generazione che ho conosciuto a Venezia è un caso a sè e in questo verticalismo anemico è un fenomeno a rischio: é un problematico.
Siamo diventati amici un pò alla volta: quasi non avessimo fretta e così anche i silenzi sono diventati attivi.

Marcello Pirro

(estratto dal libro "Ipotesi" - Pirro/Dolzan, 2001)

Il Grande Parassita/ Der grosse Parasit

2009-01-05T13:20:00.009+01:00

Il Grande Parassita (trittico); cm 540x180, acrilico su tela, 2005
clicca sull'immagine per ingrandirla

Succhia, infetta, spreme, ammorba, lorda, prevarica, soffoca, annienta, saccheggia e lo fa con lucida determinazione. Specchiandosi nell'imputridimento delle cose egli afferma la propria inequivocabile superiorità sul mondo. Le azioni e i pensieri di questo essere vecchio di secoli hanno sempre un secondo fine: stanare l'utilità e trasformarla in nutrimento. La sua forma visibile è così orrenda che egli ha imparato a mimetizzarsi e nascondersi, le sue mille facce sono quelle del potere. Egli ha fatto di ogni coscienza umana la sua dimora accogliente, dell'uomo in carne ed ossa il suo nutrimento, della società la dimensione occulta necessaria alle sue molteplici bugie e vergogne.

La paura è dentro di noi e ci morde quando, rovesciando i nostri occhi, proviamo a cercarci e a superare il concetto rassicurante che abbiamo fatto di noi. Ascoltando lo scorrere del nostro sangue, la libidine addomesticata avvampa dei pensieri erotici più selvaggi e la rabbia soffocata scalcia, facendoci sognare i più atroci delitti. La nostra ipocrisia ci viene scatarrata in faccia con la violenza di una domanda: "A quale io rinunciare?" Nel groviglio degli istinti annichiliti e al buio di questa inquietudine per una risposta che non è mai definitiva, ci sorride il Grande Parassita e così, inchiodati al bivio dell'indecisione, diventiamo uno strumento nelle sue mani. La società è il prodotto organizzato di questa reierazione autolesionistica che nel contempo ci rende vittime e carnefici e si concretizza come il terreno della fattibilità nella quale mettere in gioco la nostra schizofrenia. Nel sospetto che il nostro vicino sia più carnefice di noi gli atti deplorevoli e i buoni propositi si cristallizzano, equivalendosi nello schema regolare della legge, della morale, della religione, privandoci di ogni responsabilità per le nostre azioni. Per questo motivo soltanto ci è possibile dichiarare guerra in nome della pace, affamare il prossimo in virtù del benessere, degradare la cultura ad atto pornomediatico, livellare le intelligenze con l'istruzione scolastica, credere nei principi di produzione, coltivare uno spirito patriottico, inginocchiarsi davanti ad un sacerdote, al suo dio o a un qualunque potere, nutrirsi di spazzatura per sentirsi sani/belli/intelligenti, mettere all'asta un proposito genuino e intimo e sentirci degli eroi.

(estratto dal catalogo: Der grosse Parasit, Kunsthalle Faust, Hannover, 2005)

111 teste

2008-12-31T18:13:00.004+01:00

Partiamo per un viaggio, procedendo per angusti corridoi sotterranei nelle stanze delle vergini e dei bambini, dei notabili, dei vescovi e dei professori. Accatastati uno sull’altro su tavolacci e scaffali, stipati nelle nicchie, agghindati di tutto punto secondo la moda dell’epoca. Cartelli consunti pendono dai loro colli, archiviando il momento di ciascuna dipartita. Una serie di buchi tarlati che un tempo ospitavano gli occhi, perimetri di carne frollata e cascante, crocchie di capelli ritorti come fili di ferro aggrumati in un viso congelato in una parafrasi della vita atroce e ghignante, fotografano l’anima reattiva del nostro desiderio d’eternità.
Tutto questo ha avuto inizio in tempi lontani, correva l’anno 1585 quando nel convento dei Cappuccini di Palermo fu mummificato il primo frate beatificato. Da quel giorno, sino all’approssimarsi del xx secolo, circa 8000 persone hanno trovato rifugio in queste catacombe. Fu forse il timore di non meritare la vita eterna, d’esser giudicati rei e impuri nel Giorno del Giudizio che li spinse a tanto?
Di questa alternativa a basso costo, dovevano certo essere taciute le pratiche alchemiche e scientifiche: tutto avveniva nel “colatoio”, il luogo nel quale il cadavere era riposto per circa sei mesi perché si svuotasse delle proprie interiora e liquidi, tra miasmi indicibili. Ciò che restava, al pari di una fetida sacca vuota, veniva riempito di paglia, ricucito e quindi meticolosamente abbigliato, perché l’uomo denudato è privato della propria storia e del tempo. Il risultato finale di questo osceno imbellettamento appare simile a quello toccato in sorte ai poveri animali che i nostri occhi curiosi osservano al museo di scienze naturali, oppure a quei fantocci che i bambini ancora oggi applaudono al gran teatro dei burattini.
Forse la fede, professata più per abitudine che per convinzione, crollò alla vista della falce e subentrò il pensiero pragmatico di salvare se non proprio l’anima, almeno il corpo, anche se violato e ricomposto come un simulacro.
Che si tratti di isolati rigurgiti di un paganesimo assimilato e mal digerito, di semplice feticismo religioso popolare o di un gigantesco esorcismo, questo luogo resta la più evidente testimonianza di un destino fatale rifiutato fino all’ultimo battito di cuore nelle stratificazioni dei secoli, dagli uomini.
Non ci si abitua all’idea ed è improbabile rassegnarsi. Facile che il pensiero della morte, a furia di battere tra le tempie, divenga invece un’ossessione.

(Dolzan, tratto dal ciclo 111 Teste: monotipi su carta, cm20x30, 2000-2004)

Le Catacombe dei Cappuccini di Palermo

2008-12-31T17:44:00.004+01:00

L'effetto di quelle gallerie vaste e semibuie, illuminate solo dall'alto, dalle pareti folte di quelle che a tutta prima potrebbero sembrare bizzarre sculture naturali, brune stalattiti polverose, è un effetto piranesiano. Casse da morto ammucchiate le une sulle altre, dal cui spioncino intravedi un volto spaventoso di mummia, spesso azzimato dai fronzoli di una moda defunta, file e file di scheletri irrigiditi in bruni sai, penduli come abiti usati nel tenebroso magazzino di una Morte rigattiera: ma questi stracci hanno un volto e quel volto, benchè scarnito, ingiallito dal tempo, obliterato da ogni segno di riconoscimento, non è mai lo stesso volto. Ecco quel che è terribile in questi teschi: alcuni stravolti dallo spasimo, altri atteggiati in un ghigno di gatto arrabbiato, quale subsannante, quale minaccioso, non due che siano la stessa anonima maschera di mortalità. Che cosa si proponevano questi uomini a lasciarsi seppellire così, con un cartello recante il loro nome, come malfattori impiccati, pirati appesi con le catene finchè gli avvoltoi e le intemperie li disgreghino? I volti degli imbalsamati sono più tremendi di quelli degli scheletri: paiono maschere di cera o di cartapesta, trofei di cacciatori di teste, informe poltiglia di volti essiccata.

(tratto da: Viaggio in Occidente di Mario Praz)

Le immagini sono tratte dal ciclo "Homines" (1995) di Fulvio De Pellegrin

Babbo a Natale e Babbonatale

2008-12-24T00:14:00.006+01:00

(Natale con le toppe)

Ennesimo natale di una famigliola sul lastrico. L'unico figlioletto sui sei anni, vestito di una vecchia tuta blu rammendata con toppe marroni sui ginocchi, è accovacciato sotto l'albero addobbato a noccioline e mandarini come ai vecchi tempi. Scaldato dall'abbraccio materno e sotto l'occhio assopito del padre, scarta l'unico modesto pacco infiocchettato alla ben 'e meglio. Il suo viso in sollucchero assume una tonalità violacea, allorché tra le mani contempla la delusione dei mille desideri covati in un anno e lì svaniti.
"Ma questo è il trenino che avevo perso..." piagnucola tra sé.
"E adesso lo hai ritrovato! " Lo rimbrotta tosto il padre.
" Volevo la Playstation! " Il piccolo cede alla delusione e parla tirando sù col naso.
" Se Babbo Natale non te l'ha portata significa che hai qualcosa da farti perdonare, birbone... Ti ci voleva il carbone, te lo dico io... troppo buono!" il papino rincara la dose.
Questa scena dolorosa è osservata alla distanza di due passi dalla madre, che non sa se trattenersi, apparendo tra penne e piume in veste di chioccia, oppure sparecchiare la tavola come diversivo alla rabbia covata nella solitudine di un compagno senza lavoro e ubriacone.
Il pupetto continua a frignare. Il padre sbraita, scolandosi il fondino della bottiglia di spumante da quattro soldi sulla tavola. La delusione del figlio si affastella nello sgabuzzino della sua coscienza sporca di uomo inetto. L'ultimo lavoro di una lunga lista se n'è andato per il suo indulgere in quel porco peccatuccio alcolico, la moglie si trascura sciabattando tra una telenovela e i fornelli e ha perduto la voglia di scopare alla selvaggia, come piaceva fare a lui... Bella vita davvero, porco mondo tondo!
" Se continui a piangere, Babbo Natale arriva e si porta via anche il trenino! Vattene a dormire ingrato! Lo avessi avuto io il tuo trenino, porca troia! "
Il pianto del moccioso moccoloso è un crescendo da Bolero di Ravél, interviene la madre pennuta, lo copre di baci molli che lo conducono uno scalino alla volta, sotto le coperte fredde di una stanza riscaldata a singhiozzo.
Il padre nella notte di natale è sprofondato di un metro nella sua poltrona a quadrettoni, bevendo birra e prendendosela con quella merda di televisione e di ricorrenza che se fosse un giorno normale a quest'ora ci sarebbero già gli spogliarelli. La moglie si corica attraversando il salotto e senza augurargli la buonanotte.
Fuori dalla finestra la notte ghiacciata splende di stelle, la neve in giardino è da spalare.
"Anche questo natale è passato, cazzo." Mogugna tra sé il babbo, stappandosi l'ennesima birra.
Il flop! del tappo e la birra che sale veloce sul collo della bottiglia, la stessa scena si consuma sotto gli sguardi sconcertati degli elfi e della integerrima buona renna Rudolph, restìa a rendere la cotenna. Babbo Natale stravaccato nella sua sedia a dondolo, al tepore di una buona fiammata di legna messa a stagionare, davanti alla tivvù, aspetta gli spogliarelli. La sua mano sfrega insistentemente la patta dei suoi calzoni lanosi. Il buon brontolone si abbandona a desideri lascivi, cullato dalle filastrocche di bambine non proprio in erba, cantate tra le tempie imbiancate. Quand'ecco che l'antennone installato di recente fa le bizze e gli appare l'immagine lacrimevole d'un marmocchio scrivente:
" Caro Babbo Natale, il trenino ce l'avevo già...blablabla..."
Interdetto e interrotto, al benemerito barbuto gli và in mosto il sangue:
" Porcaccia maledetta! Elfo di merda, ce lo siamo dimenticati il poveraccio... è colpa tua! Si ha da aggiustare questa cosa... sella la renna!"
Babbo e la sua squadra partono in quel della casupola dell'inconsolabile bimbino.
Atterrata la combriccola sul tetto, assistiamo alla scena di un culone vellutato rosso che a fatica passa dallo stretto comignolo e casca infine, con un tonfo sordo tra piatti e pentole della cucina del nostro capofamiglia, ormai assopito e immerso in sogni erotici, di enormi tette coronati da succosi capezzoli all'aroma di luppolo. Il trambusto desta il fallito di soprassalto e la scena che da qui si svolge consumatela, ve ne prego, assaporandola ben bene, quasi fosse al rallentatore:

babbo Vs Babbo - Mortal Kombat - final round

Il babbo si avvicina tra urla e insulti che intimidiscono lo sprovveduto Babbo che nel soffio di un minuto, si ritrova pancia all'aria e una caviglia slogata, ad annaspare sul pavimento. Il babbo fuori di sé brandisce un batticarne. I colpi violenti fendono l'aria, coperti dagli improperi disarticolati, blasfemi e immondi, di una rabbia troppo a lungo repressa. I denti scricchiolano sotto le botte spianate e decise, salta il setto nasale, un occhio quasi esce dall'orbita, la barba candida s'intride di sangue, la buona ciccia rimpinzata di doni amorevoli è frollata dalle pestate violente e quasi pronta per il ragù. Lo sfintere si allenta liberando il contenuto degli intestini. Merda e sangue colano come decorazioni dai muri allargandosi sul pavimento. E' finita, ce lo siam tolto dai coglioni una volta per tutte, il prosciuga tredicesime, l'assembra parenti, il tacchino bruciato, il segna posto numerato e le candele, le tiritere e le favole... che se credi alle favole a questo mondo, sei fottuto.

Natale -1

2008-12-24T00:12:00.002+01:00

natale -2

2008-12-23T13:56:00.001+01:00

Natale -3

2008-12-22T09:02:00.001+01:00

Natale -4

2008-12-21T19:23:00.001+01:00

Natale -5

2008-12-21T01:01:00.001+01:00

Natale -6

2008-12-19T23:15:00.001+01:00

I giorni passano e Babbo si avvicina... tremate gente!

Another Christmas, Dolzan!

2008-12-16T23:49:00.000+01:00

Scende la neve e siamo tutti più buoni... così, giocoforza, faccio del mio meglio per adeguarmi al clima natalizio...

La D&D/trash film production è lieta di annunciare l'imminente uscita del sequel di "Dolzan before Christmas", prossimamente a spizzichi e bocconi, su questo blog.

Alexander Trocchi e il Sigma Project

2008-12-09T18:19:00.001+01:00

Alexander Trocchi è lo scrittore di origini scozzesi e parigino d'adozione, autore di due soli romanzi ("Giovane Adamo" e "Il libro di Caino"), ma di molti racconti pornografici - per lo più anonimi - editati dalla Olympia Press. Figura liquidata della Beat Generation, (fece scandalo la sua pera di eroina in diretta tv, nel corso di un' intervista a New York), aveva un sogno che restò nel cassetto: il Sigma Project, ossia, la creazione di una libera accademia delle arti e del pensiero, sviluppando le idee maturate dal Situazionismo francese.

In soldoni, l'idea consisteva nel creare uno spazio autonomo finalizzato all'insegnamento e all'apprendimento e che spaziasse, per fare un esempio, dalla fisica, all'arte, all'agricoltura...e chi più ne ha ne metta. Cosa avrebbe implicato la creazione di una simile università? La risposta è intuibile: lo smantellamento di ogni irrigimentazione culturale, l'imprevedibilità delle scelte future nel successivo sbocco lavorativo, l'incapacità di prevedere (dunque incanalare nelle categorie professionali/culturali) e controllare il cittadino, la liberazione della conoscenza da ogni logica di rendimento remunerativo. Insomma, il programma di una scuola come andrebbe fatta, oltre le logiche della valutazione, demandando la specializzazione al lavoro e preoccupandosi solo dell'elaborazione di concetti utili se sedimentati e verificati nel lungo passo della vita.

L'esperimento Trocchi fallì miseramente, ma dalle scarse informazioni reperibili, le responsabilità non furono attribuibili allo scrittore, quanto piuttosto all'ostacolo cavilgovernativo che nella mutilazione di qualche suo tentacolo non aveva certo nulla da guadagnare.

Anche oggi, le alternative per cambiare lo stato di degrado quotidiano ci sono, a volte irrancidite nel chiuso dei cassetti dei buoni propositi. Però, chissà com'è, i cambiamenti radicali e positivi provengono sempre e solo da una voce, quella del cittadino ( del popolo) e mai dal mondo politico, o da quello similmente schierato dei forti, che avrebbe i mezzi e gli strumenti per mutare le cose.